Cualquier persona interesada

El CA2M presenta la película CA2M, 10 años en Móstoles, una producción de López-Li Films dirigida por José Luis López-Linares, que fue estrenada en octubre del pasado año en la Sala Equis coincidiendo con la conmemoración del décimo aniversario del Centro.

El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, ubicado en la localidad de Móstoles, abría sus puertas el 2 de mayo de 2008. Desde entonces, ha inaugurado más de 70 exposiciones y duplicado el número de visitantes. Dirigido en la actualidad por Manuel Segade, se ha posicionado en el panorama nacional como uno de los principales articuladores de relatos sobre la contemporaneidad artística española y es hoy un centro de referencia en arte contemporáneo, al tiempo que ha conseguido integrarse en el tejido social del municipio y su entorno a través de una programación gratuita y dirigida a todo tipo de públicos.

Su ubicación en Móstoles ha sido clave en su definición, ya que le ha permitido cuestionarse la compleja definición de las metrópolis y su papel en la cultura contemporánea. Su posición geopolítica en el sur de Madrid –como oferta cultural inmediata para más de un millón de habitantes y, en un radio más amplio, para los cinco millones de habitantes de toda la región– lo ha convertido en un espacio entregado a estrategias innovadoras de mediación para conseguir que el arte cumpla plenamente su función de estímulo intelectual en la sociedad y la cultura contemporánea.

José Luis López-Linares y todo el equipo de López-Li Films se integraron durante meses en el día a día del Centro, hablaron con el personal, con los artistas y con los diversos públicos para plasmar una visión poliédrica de la institución en este cortometraje documental, de carácter autoral, que pone de manifiesto la transformación social y cultural que ha generado el CA2M.

Este cortometraje cuenta con el apoyo de Madrid en Corto, programa promovido por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid y gestionado por ECAM Distribución, para la distribución nacional e internacional de cortometrajes producidos en la Comunidad de Madrid.

Una producción de López-Li Films

Director: José Luis López-Linares

Guión: Cristina Otero Roth

Fotografía: José Luis López-Linares

Producción: Cristina Moñívar y Pilar Barbat

Operador de cámara: Andrés Recio

Sonido: Juan Carlos Cid Torrejón y Tomás Mantecón

Montaje: Cristina Otero Roth

Posproducción: Roberto Gacio

Sala de montaje y cámaras: Canal Foto

Este curso seguimos dando vueltas, girando incansables y absortas, a la duda y el estupor ante lo que sabemos inexplicable: qué es arte y qué no lo es. Aprovechamos que estamos un poco mareadas y exploramos el deseo de salir de nuestros cuerpos y nuestras mentes y dispersarnos. Eso sí, con mucha emoción y mucho sentir. Queremos emprender distintos caminos, examinar con asombro lo que creemos conocer bien y desplazarnos a donde pensamos que - ¿estamos seguras?- no hemos pisado jamás. Vamos a dejar que el arte nos tome de la mano y nos vamos a dejar llevar. A lugares tan próximos como la piel, que se tiñe y se renueva; tan remotos como lo que no se puede ni imaginar, porque está pendiente de ser, y además, no quiere definirse.

Contactaremos de forma distinta con lo que tenemos alrededor para distanciarnos de la costumbre y lo habitual. Nos apetece perder los papeles. Y estirar los tiempos y los espacios: presentes infinitos y eternos, sitios reinventados de los que nos cueste mucho volver. Si volvemos, que seamos distintas porque nos hemos conocido de otra manera a través de otras cosas y de los demás. Y ya que no vemos los mundos como los veíamos antes de partir, los entendemos mejor. Sentir la vida abandonándonos a lo que surja y el arte como aquello que transforma.

// El CA2M desarrolla una importante línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto.

En estos cursos se abordarán de forma clara y directa algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades están estructuradas en dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado seguida por otra en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra: la escucha y el diálogo como acciones transformadoras; el arte como un espacio para el encuentro y el desarrollo de actitudes críticas frente a la realidad impuesta. //

¿Qué sucede cuando creces con un idioma neutral, sin diferenciaciones de género, y llegas a un país donde todo lo tiene? ¿Cómo podemos hablar de identidad cuando un idioma ya determina qué es masculino o femenino?

El joven artista iraní Sorour Darabi se enfrentó a esto cuando llegó a Montpellier para estudiar danza. El farci, su lengua materna, no tiene formas masculinas o femeninas. El francés, por otro lado, constantemente le obliga a distinguir entre hombre y mujer, incluso en la búsqueda de su lenguaje de movimiento. Aceptar una palabra se convierte en una prueba física.

Darabi se rebela contra esta forma violenta de autoridad. Farci.e (2016) es un solo andrógino que coquetea con los límites del género, el lenguaje y la sexualidad.

Los Teatros del Canal y el CA2M se alían en un programa que pone de manifiesto un espacio de trabajo común: el cuerpo entendido como una construcción permanente y, por lo tanto, en permanente conflicto. Con Sorour Darabi, la transición del cuerpo propio desencadena una confrontación radical con el cuerpo social: la identidad transgénero revela el poder del lenguaje sobre los cuerpos, pero también la capacidad de este para amenazar sus convenciones.

Expografía es el espacio físico-mental-temporal, donde confluyen el hecho de ver, y el hecho de ser visto: lo que somos y experimentamos al mirar, lo que somos y experimentamos al ser mirados, y lo que es la visión en sí misma, como algo que está a medio camino entre la capacidad del vidente y lo que emana el objeto. Cualquier exposición, para ser activada precisa de esos tres términos - el que ve, lo visto y la visión- que de alguna forma se funden en un solo espacio-tiempo-evento-experiencia.

Por otro lado, Expografía es una reflexión sobre el Museo y sobre el Teatro: lo que ocurre en cada uno de estos lugares; los códigos temporales y de relación del público con las obras que impone cada uno de estos espacios. Proponemos el juego de alterar esos códigos y experimentar con lo que eso produce. Proponemos forzar ciertas perspectivas, situarnos en lugares física y temporalmente diferentes a los habituales, y observar qué nos producen esas variaciones.

El proyecto Expografía se concreta en dos obras totalmente distintas que son el despliegue completo de toda la investigación.

Expografía Colectiva se presenta el sábado 12 de enero aquí en el CA2M, jugando con la temporalidad museística, por lo que se pide al espectador el compromiso de permanecer en el museo durante las 8 horas consecutivas que dura la experiencia. En realidad no hay espectadores, sino participantes. En este evento de larga duración, se mezcla la propuesta artística con la necesidad de comer, ir al baño, fumar un cigarrillo o convivir con los demás. El dispositivo asume todas estas necesidades y se abre a otras tantas apetencias. Es aparentemente una convocatoria muy exigente, por aquello de permanecer 8 horas en estado de relativo aislamiento, pero en realidad, esta experiencia apunta a la libertad de dejar atrás por un tiempo, la “prisión” de nuestros hábitos y formas de ver el mundo.

El segundo producto, Expografía Retrospectiva, es más un “espectáculo” en el sentido convencional de la palabra, y se presentará una semana después: los días 17,18 y 19 de enero en Teatros del Canal.

El verano pasado, un grupo de embarcaciones salió del puerto de Valparaíso. Al llegar a mar abierto, la tripulación amarró las barcas con cuerdas para mantenerse cerca y recitar poesía. Tiempo después del relato creía que eran los cuerpos los que se agarraban fuerte con las manos, muy pegados, en círculos concéntricos para no separarse y mantener la horizontal. Caro dice que el público sujetaba a los poetas para que, al recitar, no se cayeran al mar. Este verano las madres morían.

Este verano quemamos la sierra de Madrid y la olimos toda. Extrajimos sus gases para incrustarle una galaxia al museo en un rodapié de cerámica que recorre gran parte de la tercera planta. Soñábamos con derramarnos por ese hueco en el que se deciden la horizontal y la vertical, atravesar esa arista para pegarle un corte al museo y salir volando como en una alfombra mágica o un ovni.

Rodapié Universo es un viaje a la última horizontal; al océano, sus vistas y sus voces que convocaremos desde la arquitectura del museo.

Agradecimientos: Toño Naharro, Sergio Muñoz Arriagada, Carlos Cociña, Julieta Marchant y A Cielo Abierto / Festival Internacional de Poesía de Valparaíso.

Un coro amateur es un proyecto de creación en el que cualquier tipo de voz es bienvenida a experimentar. Como ya hemos comprobado que la voz de una persona tiene múltiples posibilidades de ser y estar, queremos traer esas singularidades de los timbres, los tonos, los ritmos, para conformar un coro increíble.

El coro llega a sus últimas sesiones en un punto altísimo de experimentación con la voz. Hemos hecho talleres con Anto Rodríguez, Jhana Beat, Makiko Kitago, Alma Söderberg, Amalia Fernández, Lolita Versache y Bea Vaca (Narcoléptica). Hemos cantado en una montaña, practicado beatbox y lip sync y hemos inventado múltiples maneras de ser un coro. Tenemos muy claro el camino pero no sabemos a dónde vamos y así terminaremos: cambiantes, sin dirección, con mucho deseo de hacer juntas.

Hace dos años, al terminar el viaje de Más vasto que los imperios y más lento, intercambiamos esquejes y planeamos el siguiente grupo de lectura, Monstera Deliciosa. Los esquejes fabulan una continuidad entre textos y plantas, la biblioteca y la casa, el tiempo humano y el vegetal. Hace unas semanas algunos han florecido como promesa de la red subterránea que nos une.

Queremos hacer una apología de esas partes unidas, porque quizás algo que caracterice la belleza del monstruo tenga que ver con lo fragmentario, lo híbrido, con la falta de correlación de sus partes. El cuerpo exquisito, el patchwork, el collage. Cortar y juntar, cocinar y coser, transformar la materia, la alquimia, la mezcla. Tal vez leer en grupo tenga también algo que ver con todo ello. Brujas, naves espaciales, sirenas, extraterrestres, barbudas, viajes en el tiempo…

Queremos celebrar este organismo lento y monstruoso, recoger lecturas y aprendizajes de estos dos años para entre todas proponer un viaje, una deriva, con lecturas escogidas y presentadas por participantes del grupo y con la invitación abierta a sumar nuevas cómplices. Contarnos cada vez cosas peores.

Huerto en la terraza es un punto de encuentro intergeneracional en el que aprender, construir y compartir conocimientos para la creación colectiva de un nuevo modelo de ciudad basado en la sostenibilidad en términos ecológicos y la práctica de la vida buena. Un espacio en el que idear una transición hacia un mundo capaz de encarar con fortaleza los grandes retos del siglo XXI.

La azotea del CA2M alberga desde hace seis años un huerto en maceta, construido por y para sus participantes, que se renueva y mejora diariamente con la intención de demostrar que la agricultura urbana es posible y necesaria. Este año continuamos introduciendo prácticas agroecológicas innovadoras para mejorar nuestros agrosistemas y volverlos cada vez más equilibrados y productivos. A través de la práctica en el huerto, trataremos de abordar problemáticas ecológicas de vital importancia hoy en día, como el cambio climático y la escasez de recursos en un planeta finito, teniendo siempre presente una perspectiva ecofeminista. Además, invitaremos a algunas artistas que centran su trabajo en torno al mundo vegetal y la brujería para poner a prueba nuestra percepción sobre las plantas y experimentar con ellas.