Asistencia libre y gratuita hasta completar aforo

El artista Antonio Ballester Moreno desvelará lo más destacado de su práctica artística en un recorrido por su muestra El cielo y la tierra.

A través de esta visita se podrá conocer más de cerca las ideas, formas de trabajo y el proceso participativo que ha llevado a cabo para establecer un diálogo entre su propia obra y las piezas de la colección del Museo CA2M presentes en esta exposición.

Una oportunidad para acercarse a la muestra desde la mirada y la voz de su propio autor.

Antonio Ballester Moreno

Entiende el arte como un gesto educativo, no como una expresión. Partiendo de esta idea, ha trabajado sobre el paisaje y el contexto como parte de nuestra propia identidad y formación. La Institución Libre de Enseñanza y los movimientos culturales de finales del siglo XIX y principios del XX son una referencia importante en su trabajo por el vínculo que tuvieron en relación a estas ideas.

Ha realizado exposiciones en Patio Herreriano de Valladolid, usando el archivo pedagógico del escultor Ángel Ferrán en conjunción con su propio trabajo. En Artium Museoa  de Vitoria trató el tema de la educación desde el juego y la motricidad. Y en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia en León trazó un recorrido histórico a través de los artistas que participaron en los movimientos regeneracionistas hasta la Escuela de Vallecas. También es importante su participación en la 33 bienal de São Paulo como artista y comisario, donde puso de manifiesto todas estas ideas basadas en la continuidad entre la experiencia estética y los procesos naturales de la vida, rompiendo con conceptos dualistas como el arte culto frente al popular, lo estético en contraste con lo práctico, y el artista frente a la gente "ordinaria”.

Porque todos, sin excepción, somos creativos, y el fin de toda creación no es la pura verdad del conocimiento en sí, sino simplemente mejorar la experiencia.

FECHAS

• Sábados 17 de octubre 12:30- 13:30
• Sábado 14 de noviembre 12:30 - 13:30

Actividad gratuita con inscripción previa en el teléfono 91 276 02 21, en el correo electrónico: ca2m@madrid.org o en la recepción del Museo. Aforo: 20 personas.

¿Cómo se ven afectados los procesos artísticos cuando tienen lugar en colectividad? ¿Pueden las relaciones que los atraviesan, como hifas micelares, componer modos provisorios de lo común?

Este laboratorio es un espacio de encuentro, investigación y experimentación en torno a las prácticas artísticas colectivas. Un espacio en el que pensares y haceres se movilicen entre colectivos artísticos, personas vinculadas a la investigación, asociaciones y públicos. Pretende, así, articular relaciones entre agentes culturales, artísticos, sociales y comunitarios.

A través de conversaciones, encuentros y prácticas compartidas, se activarán memorias y se compartirán procesos para ensayar formas diversas de hacer juntos, imaginando materializaciones posibles que permitan acercarnos a los modos que tienen lugar en colectividad. Nos interesa atender a aquello que aparece en la relación, lo que se transforma, lo que se desplaza y lo que emerge cuando las prácticas artísticas parten de la composición de singularidades.

El laboratorio se desarrollará a través de 10 sesiones (algunas abiertas y otras cerradas), que combinarán conversaciones públicas y encuentros de experimentación colectiva. Las voces, imágenes, materiales y gestos que surjan de estos intercambios irán conformando un dispositivo abierto a los flujos y saberes que nos permitirá prolongar los encuentros más allá del propio laboratorio. Las sesiones públicas serán espacios para compartir estas experiencias, activar nuevas conexiones y hacer circular preguntas que vayan surgiendo en el laboratorio.

Los encuentros de experimentación colectiva se desarrollan en colaboración entre: [InPAS], Kit Canibal, La Liminal, La Burra Negra, Cangrejo Pro, Colectivo Ayllu y Tejiendo Móstoles. Contarán, asimismo, con la participación de La Abandonada, Adrián Vilar & Daniela C. Castanedo y Patio Colective.

Coordinación: Estrella Serrano Tovar (jefa de Educación y Actividades Públicas del Museo CA2M) y Rut Martín Hernández (IP FCT-24-21251 y Profesora Titular de la Facultad de Bellas Artes UCM). Equipo: Xirou Xiao (UAB), Pilar del Puerto Hernández González (UEM), Nuria Rey (URJC), Mar Castillejo Higueras (UNIR) y Daniela Ricciardi (USACH).

PROGRAMA

Jueves 22 de octubre. 18:30 - 20:30. Andrea Soto Calderón. Levantar imágenes, trabajar con lo que se resiste.

Existe un prejuicio muy extendido que considera que las imágenes son estados de cosas que pretenden mostrar la realidad, constatar lo que existe o denunciar una determinada situación, pero las imágenes tienen estatutos mucho más complejos cuya eficacia no depende únicamente de sus cualidades formales, sino también de las relaciones que establecen con los espacios, los objetos, los cuerpos y las prácticas sociales que las activan. Esta conferencia propone reflexionar en torno al dinamismo de las imágenes y sus prácticas performativas, pero también sobre cómo cuidamos nuestra imaginación para crear imágenes que nos permitan introducir en la vida una posibilidad y conectar con formas de experiencia con las que no tenemos relación. En este sentido, la inquietud que mueve esta intervención es interrogar nuestras prácticas imagéticas, compartir formas de ensayo que amplie sus formas de contagio. 

Miércoles 28 de octubre. 18:30 - 20:30. Alejandra López Gabrielidis. El cuerpo de datos. Adentro y afuera de nuestras vidas digitales.

La noción de "cuerpo de datos" es una herramienta conceptual que nos permite nombrar y abordar ciertas transformaciones generadas por las tecnologías digitales, al mismo tiempo que nos brinda una perspectiva más amplia e integral sobre la propia concepción de la "tecnología", en términos generales. Solemos entender esta última, como un proceso de exteriorización de funciones corporales hacia los objetos técnicos, pero este movimiento hacia fuera supone siempre un movimiento de interiorización de los objetos técnicos en los cuerpos. Si el cuerpo es el eje que estructura nuestra presencia, percepción, acción y cognición, ese eje hoy en día se halla profundamente afectado por las dinámicas que entrelazan datos y vidas. ¿Puede que la datificación esté transformando nuestra corporalidad, generando una nueva capa digital en ella? ¿Puede que los datos sean el barro de un nuevo cuerpo que aún no sabemos ni nombrar, ni gestionar? En esta sesión abordaremos el anverso y el reverso de nuestro cuerpo de datos, ahondando en cómo se sienten los datos en los cuerpos, qué dinámicas y ritmos psico-sociales introducen en nuestras vidas; y por otro lado, qué produce en el mundo nuestra vida exteriorizada en los datos, pasando por su contribución a la generación de sistemas de inteligencia artificial y profundizando en una perspectiva económica que reconozca en los datos, no solo un valor productivo relacionado con el capital, sino también un valor de reproducción social, arraigado en la vida en común. 

Miércoles 4 de noviembre. 18:30- 20:30. Patricia Mayayo. Feminismos y agencias colectivas en el campo artístico español.

El surgimiento de las prácticas colectivas comprometidas con los feminismos en el mundo del arte en España suele situarse en los años noventa del siglo XX. En ese momento, se produce una eclosión de intervenciones artísticas de sesgo activista que buscan incidir directamente en la vida social y superar la visión tradicional del artista que había imperado en los ochenta; en otras palabras, se promueven prácticas que, si bien se sirven de las herramientas y saberes del arte, se producen socialmente y se distribuyen también socialmente muchas veces en colaboración con otra serie de agentes que no pertenecen en sentido estricto al mundo artístico. Por otro lado, al mismo tiempo, el nacimiento de la década de los 90 también es un momento de reformulación y cambio para los movimientos sociales y en particular para los feminismos.

En esta conferencia, además de reflexionar sobre las características y objetivos de este tipo de prácticas, se propone releer el relato histórico construido sobre ellas, proponiendo un recorrido genealógico algo distinto al habitual. Veremos cómo este tipo de prácticas dialogan con una serie de precedentes impulsados por mujeres en el arte durante el franquismo, que, si bien no disponían de las herramientas teóricas que se manejarán a partir de finales del siglo XX, anticiparon algunas formas de lucha y agenciamiento colectivo que se explorarán en la contemporaneidad.

Andrea Soto Calderón es doctora en filosofía, profesora de Estética y Teorías del arte y coordinadora del programa de doctorado en filosofía en la Universidad Autónoma de Barcelona. Además de su actividad docente, durante casi una década realizó una investigación en torno a los funcionamientos de las imágenes en La Virreina Centre de la Imatge, en Barcelona. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la investigación artística, el estudio de la imagen y los medios. Su producción científica se refleja en diversos artículos publicados en revistas de carácter internacional, capítulos de libros y textos para catálogos de artistas. Ha presentado sus trabajos en diversos contextos como en España, Brasil, Chile, Argentina, Colombia, Portugal, Francia u Holanda. Entre sus publicaciones destaca su libro El trabajo de las imágenes (2022) junto a Jacques Rancière, Les presses du réel (2019), La performatividad de las imágenes, Metales Pesados (2020), Imaginación material, Metales Pesados (2022), Indisciplinas de la mirada, Kikuyo (2025), Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico, Metales Pesados (2026), Pensar al borde del discurso (en prensa). 

Alejandra López Gabrielidis es filósofa e investigadora especializada en arte y tecnologías digitales. Su investigación se centra en la relación entre los datos digitales y el cuerpo desde un paradigma de agencialidad y cognición distribuidas. Actualmente trabaja como coordinadora del Centro de Estudios de Doctorado y profesora de Estética y Teoría de las Artes en los grados de Diseño y Bellas Artes de BAU, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona. Colabora también con la UNESCO en cuestiones vinculadas a las tecnologías digitales en el sector cultural. Ha sido investigadora postdoctoral en la Unidad de Tecnopolítica del grupo CNSC (Communication Network and Social Change) en el Internet Interdisciplinary Institute (IN3) de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), y co-Coordinadora del Vector de Conceptualización Sociotécnica. Además de su labor investigadora, ha traducido obras de autores como Franco “Bifo” Berardi y Katherine Hayles.

Patricia Mayayo es Catedrática de Historia del Arte en el Departamento de Historia y Teoría y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus líneas de investigación se centran en la historia de las mujeres artistas, la historiografía y las prácticas artísticas feministas y el arte contemporáneo español. Es autora, entre otras muchas publicaciones, de los libros Arte en España, 1939-2015. Ideas, prácticas, políticas (Cátedra, 2015), Frida Kahlo. Contra el mito (Cátedra, 2008) o Historias de mujeres, historias del arte (Cátedra, 2003). Ha co-editado las monografías Dossiê - Feminismos em campos expandidos (MODOS: Revista de História da Arte, Brasil, 2023) y Making Art History in Europe after 1945 (Routledge, 2020). Ha sido comisaria de las exposiciones 31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim (Fundación Mapfre, Madrid y  Museu de Arte Contemporânea-Centro Cultural de Belém, Lisboa, 2024-25), El poder con que saltamos juntas. Mujeres artistas en España y Portugal entre la dictadura y la democracia (Valencia, Instituto Valenciano de Arte Moderno, 2024), Territorios que importan. Género, arte y ecología (Huesca, Centro de Arte y Naturaleza, 2018-19) y Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010 (León, MUSAC, 2012). En la actualidad es co-IP del proyecto de I+D “"Tres veces rebeldes. Redes, estrategias y agencias femeninas en el campo artístico durante el franquismo", (PID2023-148557NB-I00, MICN/AEI).

Esta actividad es parte del proyecto FCT-24-21251, que cuenta con la colaboración del Museo CA2M y de la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología - Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades, y se desarrolla en el marco de las líneas de investigación de PID2024-155474NB-I00, financiado por MICIU/AEI /10.13039/501100011033 y por FEDER, UE.

Cada viernes por la mañana, un grupo de personas se reúne en el museo alrededor de una excusa sencilla: cuidar un huerto. Pero, como ocurre con las mejores excusas, la cosa va mucho más allá de las plantas.

El huerto es un lugar para aprender, compartir experiencias y estar pendientes de lo que necesita crecer. A veces se habla de semillas, de esquejes o de cómo salvar una planta que parece haberlo pasado mal. Otras veces se intercambian trucos, recetas de kéfir, dudas, ideas o simplemente ganas de hacer cosas en compañía. Quienes participan cuidan el huerto de la terraza del museo, observando cómo cambian las estaciones y afrontando los desafíos que trae cada una. Cuando el riego falla, llega una plaga o la tierra se seca demasiado rápido, siempre aparece alguien con una experiencia que compartir o una mano dispuesta a ayudar. También hay que alimentar a las lombrices, preparar semilleros, mejorar la tierra o recibir a quienes se acercan a conocer el proyecto. Si algo nos enseña el huerto es que muchas de las cosas importantes requieren tiempo, atención y cuidados.

El huerto del museo es un lugar donde pueden convivir personas, experiencias, saberes y formas de hacer muy distintas. Un espacio que deja margen para la sorpresa, donde no todo sigue el plan previsto. A veces aparecen brotes donde nadie los esperaba; otras, son las ideas, los aprendizajes o las relaciones fortuitas las que terminan echando raíces.

Puedes participar en los encuentros en cualquier momento del curso. Los viernes por la mañana podrás encontrar al grupo reunido en la biblioteca, trabajando en los bancales de la terraza o, quizá, visitando algún lugar que les inspire para seguir aprendiendo. Te esperamos.

¿Cuál es la relación entre el arte y la reclusión? ¿Qué papel desempeña la cultura en una institución cerrada? ¿Cuál es su impacto? ¿Es suficiente la oferta cultural que llega a su interior? ¿Es la misma en los centros penitenciarios de mujeres y de hombres?

La Casa Encendida, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo y la Asociación teta y teta organizan las jornadas Quererse libre. Artes y reclusión, un encuentro dedicado a reflexionar sobre el papel de la literatura y el arte en los centros penitenciarios. Durante dos días y en dos espacios diferentes, estas jornadas invitan a reflexionar sobre la importancia de la cultura en la cárcel: una institución cerrada, aislada y a menudo olvidada, especialmente en el caso de las mujeres.

El 24 de junio, en La Casa Encendida, tendrá lugar una jornada dedicada A las Olvidadas, una iniciativa de recogida de libros dedicados por la ciudadanía e impulsada por la Asociación teta y teta, que busca visibilizar la situación de las mujeres en prisión y reflexionar sobre la reclusión femenina en relación con la literatura. Puedes consultar el programa completo aquí.

Durante el día 25 de junio, la jornada en el Museo CA2M estará girará en torno a COSMORAMA, un programa pionero puesto en marcha por el museo en 2024 en colaboración con la ONG Solidarios para el Desarrollo. Con Cosmorama, el Museo CA2M ha desarrollado una serie de actividades –concursos de dibujo, cursos, talleres y charlas– que proponen nuevas formas de relación y participación, convirtiendo las prisiones en lugares en los que experimentar y generar conocimiento compartido desde la práctica y la experiencia colectiva.

A lo largo del último año, y gracias al apoyo Fundación Sabadell, se están llevando a cabo distintas acciones educativas centralizadas en el Centro Penitenciario Madrid V - Soto del Real, que cuenta incluso con una sala de exposiciones con el mismo nombre del del programa y en la que se exponen las obras y proyectos realizados por los internos, cuestionando así los límites tradicionales del arte y sus públicos.

Con ello, esta Jornada COSMORAMA en el Museo CA2M pretende ser un espacio de encuentro en torno a lo sucedido durante el desarrollo del programa Cosmorama, pero también una oportunidad para reflexionar colectivamente sobre el papel del arte y de la cultura como herramienta de cambio dentro las instituciones penitenciarias: lo que se ha conseguido, sus posibilidades y los retos que aún se plantean

PROGRAMA:

10:30 Presentación de la jornada. 
Tania Pardo (directora del Museo Centro de Arte Dos de Mayo), Pablo Berástegui (director de La Casa Encendida) y Sonia Mulero (directora de Fundación Banco Sabadell).

11:00 Conferencia inaugural: “Una mirada interseccional de la geografía carcelaria”. 
Pastora Filigrana (abogada laboralista y defensora de Derechos Humanos).

12:30 Mesa de experiencias. 
Clemente Bernad (artista), Antonio Ballester Moreno (artista) y Fátima Moreno (artista).

Descanso

16:00 Conversación entre Álvaro Crespo (ONG Solidarios para el Desarrollo), internos del Centro Penitenciario Soto del Real - Madrid V y Tania Pardo.

17:00 Mesa de experiencias.
Álvaro Perdices (artista), Marina Roca (artista) y Taxio Ardanaz (artista).

18:00 Mesa de experiencias.
Elena Rosauro (comisaria y cineasta), Amelia Repetto (actriz, creadora escénica y ex médica psiquiatra) y Lidia Mateo Leivas (investigadora y profesora en la UNED).

19:00 Cierre de las jornadas y acción de recogida de cartas dirigidas a personas privadas de libertad.

La jornada será relatada gráficamente por el ilustrador Quique Palomo.

SOBRE LOS PARTICIPANTES

Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y actualmente es artista residente en La Escocesa (Barcelona). Durante estos últimos años ha desarrollado su trabajo en instituciones y programas como el Centro de Residencias Artísticas Matadero (Madrid) o Artista x Artista (La Habana). Interesado en las tensiones que se producen entre ideología, representación y memoria, se encarga de explorar, desde la pintura, la instalación o el archivo fotográfico, las huellas físicas de proyectos políticos truncados y otras formas de resistencia colectiva. Su obra está presente en diversas colecciones públicas y privadas, y ha sido expuesta en galerías e instituciones como Tabacalera (Madrid) o la Academia de España en Roma.

Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977) vive y trabaja en Madrid. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo Centro de Arte (Madrid), en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León), en el Museo ARTIUM (Vitoria), en el Museo Patio Herreriano (Valladolid) y La Casa Encendida Madrid); así como galerías de Madrid, Lisboa, São Paulo o Los Ángeles. También ha participado en exposiciones colectivas, como en la 33 Bienal de São Paulo como artista y comisario, en el MUSAC (León) o en el MSU Broad Museum (Michigan). Su trabajo está presente en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o la Colección Banco de España.

Clemente Bernad (Pamplona/Iruñea, 1963) es fotógrafo y cineasta documental desde 1986, con un fuerte interés por las temáticas sociales y políticas dentro de su entorno cultural más cercano. En la actualidad trabaja sobre la situación sociopolítica contemporánea y desarrolla su actividad como profesional independiente, en un amplio sentido del término.

Pastora Filigrana (Sevilla, 1981) es abogada laboralista y defensora de Derechos Humanos. Activista feminista y antirracista con un compromiso profesional y vital en la lucha contra el antigitanismo. Autora del libro El pueblo gitano contra el sistema-mundo. Reflexiones desde una militancia feminista y anticapitalista (Akal, 2020). Es especialista en derecho laboral y sindical y experta en derecho de extranjería. Cuenta con una maestría de Derechos Humanos, Interculturalidad y Desarrollo por la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla. Es abogada en ejercicio del Ilustre Colegio de Abogados de Sevilla y en la actualidad es directora de la Asociación contra el Odio.

Lidia Mateo Leivas es profesora, escribe e investiga. Trabaja en el Departamento de Historia del Arte de la UNED, en donde entrecruza los Estudios de Memoria, la Cultura Visual, el pensamiento transfeminista y ecosocial, la antropología de las imágenes y la imaginación radical. También es tutora de Acceso a la Universidad en la cárcel de Alcalá Meco, donde ha realizado talleres de escritura y ex-presión. Además de escribir puntualmente en fanzines, ha publicado en revistas como Memory Studies o el JSCS, y es autora de dos monografías: El reverso de la censura. Cine clandestino durante el tardofranquismo y la transición (CENDEAC, 2020) e Imaginarios de la clandestinidad. Complicidad, memoria y emoción en nueve tramas (Akal, 2022). Actualmente, forma parte de La Laboratoria. Espacio de Investigaciones Feminista, entre otros colectivos y espacios de militancia. Le interesa tejer lugares de encuentro entre el pensamiento teórico y la acción política.

Fátima Moreno (Granada, 1980) es artista visual. Formada en grabado, desarrolla una práctica centrada en el dibujo y la pintura. Su trabajo explora un imaginario que transita entre lo onírico, lo satírico y lo psicodélico, a través de un lenguaje gráfico libre y espontáneo. Ha presentado su obra en exposiciones individuales y colectivas en España y Portugal, en espacios como Galería Ehrhardt Flórez (Madrid), Galeria Zé dos Bois (Lisboa) y Galería Nave (Lisboa). Paralelamente, desarrolla colaboraciones en los ámbitos de la moda, el diseño y la cultura, y compagina su práctica artística con la impartición de talleres de dibujo.

Álvaro Perdices (Madrid, 1971) es un artista visual y comisario de exposiciones. Se formó entre Madrid y Los Ángeles, ciudad en la que residió más de dos décadas. Ha formado parte del Departamento de Exposiciones del Museo del Prado, donde desarrolló diversos proyectos expositivos y educativos, como La mirada del otro y Jardín infinito.

Quique Palomo (Madrid, 1966) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, es ilustrador profesional desde 1991 y colaborador habitual en editoriales, grupos educativos y prensa. En los últimos años ha desarrollado una destacada labor en el cómic histórico, abordando los años de gobierno de Salvador Allende en El Golpe (Pehuén, 2013) y las biografías de Federico García Lorca y Antonio Machado en Vida y muerte de Federico García Lorca (Ediciones B, 2016) y Ligero de equipaje. Vida de Antonio Machado (Ediciones B, 2017), ambas en colaboración con Ian Gibson. Más recientemente ha publicado con Planeta Cómic Cuatro poetas en guerra (Planeta, 2019) y La vida incombustible de Salvador Dalí (Planeta, 2023). Compagina su labor artística con la docencia en el Campus Creativo de la Universidad Europea de Madrid.

Amelia Repetto (Argentina,1983 residente en Madrid) es actriz, creadora escénica y médica psiquiatra especializada en arte y salud mental. Su trabajo se desarrolla en el cruce entre teatro, performance, artes visuales e investigación, explorando las relaciones entre cuerpo, memoria, archivo, violencia y representación desde una perspectiva latinoamericana. Formada en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires y en el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (MNCARS y UCLM), ha desarrollado proyectos en Argentina, México y España. Desde 2022 colabora con instituciones como el Museo Reina Sofía, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo o el Teatro Pradillo. Entre sus creaciones destacan Artificio para atravesar la psicosis y BZD. El entierro, entre otras.

Marina Roca (Madrid, 1988) es una artista que trabaja mayoritariamente en el campo de la pintura y el dibujo. Estudió un grado superior de escultura en la Escuela de Arte La Palma, y después se especializó en pintura durante cinco años en el Estudio Arjona, donde ganó una beca al mérito. Tras años de dibujo de modelo al natural en El Círculo de Bellas Artes y un curso de dibujo de anatomía en Central Saint Martins en Londres, se mudó a Berlín. Residió allí durante ocho años, donde realizó sus primeras exposiciones y publicaciones. En 2020 volvió a Madrid, donde vive y trabaja ahora. Su obra se ha expuesto en ciudades como Londres o Ámsterdam y forma parte de colecciones privadas. Actualmente está representada por la Galería El Chico (Madrid).

Elena Rosauro (Madrid, 1985) es curadora, editora, investigadora, cineasta y gestora cultural. Trabaja con instituciones, proyectos independientes y artistas en el desarrollo de exposiciones, publicaciones y proyectos audiovisuales relacionados con el arte contemporáneo.

Organizado con:

 En colaboración con:                       Con el apoyo de:

«Pierdo los días, la vida, el sueño. Pero yo no tengo la culpa si deseo, a la vez, la muerte y la vida, al mismo tiempo, a la misma hora. Y lo quiero todo al mismo tiempo.» Alejandra Pizarnik

Muchachas (susurrando): Hey, queridas, ¿estáis despiertas?

Tristura: Sí, mucho... Imposible dormir con este calor.

Muchachas: Ya, nosotras estamos completamente desveladas...

Tristura: ¿Qué pasa? ¿Qué tenéis en la cabeza?

Muchachas: No es nada en especial... Es solo esa sensación de que quizás podríamos estar en otro lugar ahora mismo, ¿no?

Tristura: Ya, a veces pasa... ¿Queréis venir a casa? Podemos hacer algo, cualquier cosa.

Muchachas: Estábamos pensando en que hace tiempo que no vamos a una fiesta. Una fiesta genial, brillante, sorprendentemente tierna, dramática y luminosa... ¡Una fiesta que nos represente!

Tristura: Ya, claro, ¡si os ponéis así! Es una época extraña para fiestas.... Pero bueno, venid para acá, algo nos inventaremos, veníos ya ¡No hace falta ni que os quitéis el pijama!

Muchachas: Vale, ya estamos de camino. De todas maneras... no debería de ser tan difícil hacer una fiesta en esta época, ¿no? En esta época, una fiesta puede ser simplemente estar, detenernos juntas. En esta época, una fiesta puede ser amar y recordarnos amables.

Tristura: Totalmente. En esta época, una fiesta puede ser una hora bien bailada. Una hora bien cantada. Una hora bien contada.

Muchachas: Invocar la noche para conseguir, aunque sea por un segundo, ver las estrellas. Invocar la noche y dilatarla hasta la extenuación. Y ya cansadas, sudadas, escuchar una historia, una idea, un canto.

Tristura: Como decía Juan de Mairena, una hora bien contada no se acabaría nunca de contar. Una fiesta puede ser también celebrar el tiempo y celebrar la noche.

Muchachas: Un picnic con amigas juntas al anochecer. Podría ser bonito.

Tristura: Genial, lo tenemos entonces, ¿no? Solo necesitamos: un bonito lugar al aire libre, un poco de música y cien o doscientas personas majas. Y ya con eso que la noche cambie por completo, que se vaya hacia lugares que no imaginamos... como que se abra, ¿no?

Muchachas: Sí, eso es. Que la noche se abra.

Que se abra la noche.

La tristura y Mucha Muchacha llegan al Museo CA2M este año para proponer juntas las Picnic Sessions 2026. Para proponer un tiempo escuchando, bailando, observando. Dicen los antropólogos que antes de compartir una lengua, compartíamos ya rituales, que es esencialmente lo que nos hace humanos. Queremos compartir este antiguo ritual con la gente de la ciudad, compartir el sentido de ser hospitalarios en este siglo. Hemos buscado a diferentes artistas con los que pasar unas horas al anochecer, artistas que trabajan por establecer una relación singular con nuestro tiempo, que saben mantener la mirada en la oscuridad de la época que vivimos, y que perciben a la vez, en esa oscuridad, una luz. Que ven la grieta. Y así entre el 28 de mayo y el 2 de julio, nos reuniremos en la terraza del museo para abrir la noche juntos.

«Cuando se va la luz
y el cielo es negro,
no hay nada
que mirar,
terminó el día.
Eso es todo.»  Robert Creeley.

PROGRAMA

• Jueves 28 de mayo. Guillem Jiménez | Okkre
• Jueves 4 de junio. Los Voluble
• Jueves 11 de junio. Laura Morales* | Fantasma Sur. | *Importante llegar puntual a esta sesión.
• Jueves 18 de junio. TEMPO DE FURIA (Egozkue y Paz) | Eddi Circa
• Jueves 25 de junio. Carmen Muñoz | Derek van den Bulcke
• Jueves 2 de julio. Natalia Fernandes | Las Víctimas Civiles

Horario de 21:00 a 23:00

MESAS EDITORIALES

• Jueves 28 de mayo. Clavos y chinchetas
• Jueves 4 de junio. Librería Delirio
• Jueves 11 de junio. Ediciones Comisura
• Jueves 18 de junio. Arrebato Libros
• Jueves 25 de junio. Proyecto editorial Conde Galí
• Jueves 2 de julio. Editorial Disbauxa

COMISARIADO POR:

Celso Giménez y Violeta Gil, de La tristura, llevan desde que cumplieron veinte años trabajando alrededor de las artes escénicas. Tratando de generar “situaciones humanas” dentro y fuera del escenario. Investigando los límites entre la presentación y la representación, con un interés por el teatro contemporáneo, y un compromiso con la intuición de que la intimidad y la poesía son, esencialmente, conceptos políticos. Durante este tiempo, La tristura colabora con espacios como los Teatros del Canal de Madrid, el Festival Grec de Barcelona, Cena Contemporânea de Brasilia, el Théâtre de la Ville de París, el Noorderzon de Groningen o el Festival AUA de Berna, entre otros. En estos años generan también contextos como la Escuela de Invierno, el Festival Salvaje o la Gran Convocatoria Mundial. Con el deseo de seguir conectando diferentes agentes y artistas, confiando en que de esos enlaces saldrán movimientos inesperados e inspiradores. En los últimos años además inician proyectos en solitario y nuevas colaboraciones en el ámbito del cine, la escena y la literatura. Su trabajo sigue vinculado a Madrid, ciudad en la que viven y desarrollan sus proyectos.

Ana Botía y Belén Martí dirigen desde 2016 la compañía de danza Mucha Muchacha junto a Marina de Remedios y Marta Mármol. Desde sus inicios han orientado su trabajo hacia la investigación del cuerpo como espacio de memoria, identidad y transformación, articulando una propuesta que combina tradición y contemporaneidad. Su lenguaje escénico integra elementos del folclore, la música popular y los códigos de la danza española, reconfigurados desde una mirada crítica y actual. Desde su nacimiento ha creado Volumen 1 (2019), Mucha Muchacha (2021), Para cuatro jinetes (2023) y proyectos más recientes como Cantar de gesta (2026), en los que continúan explorando la relación entre cuerpo, relato y colectividad. Mucha Muchacha ha desarrollado una práctica colaborativa con artistas de distintas disciplinas, generando proyectos de investigación y mediación como SERÉ FOLCLORE o el proyecto TALLER-FIESTA.