Cualquier persona interesada

Durante los meses de noviembre y diciembre, las artistas y comisarias de la exposición El listado, Nadia Barkate y Fátima Moreno, te acompañarán en una charla-recorrido por la muestra, estableciendo un diálogo entre sus obras y las piezas seleccionadas de las colecciones del Museo Centro de Arte Dos de Mayo y la Fundación ARCO.

CÓMO CONTAR LO QUE YA SE MUESTRA, con Nadia Barkate. Jueves 12 de noviembre a las 18:30

En esta conversación a modo de visita a El Listado, nos tomaremos un tiempo para mirar multitud de dibujos. Tratar con ellos supondrá generar algún malentendido, aunque también servirá para dilatar la experiencia. Probablemente, nuestra percepción distorsione el sentido original de esas piezas. Será confuso, como intentar hacer coincidir una imagen y una palabra que están en lugares opuestos. Habrá que confiar en que un hemisferio del cerebro pueda proporcionarle al otro la información que no está a su alcance.

COGER UN PEZ CON LAS MANOS, con Fátima Moreno. Sábado 28 de noviembre a las 18:00

“Reconocer el dibujo fuera del papel. La búsqueda. Indagar en lo que sucede antes del trazo y en el origen mismo del gesto. «Coger un pez con las manos», frase tomada del título de uno de mis dibujos de cuaderno, da nombre a un paseo dialogado por la exposición”. Esta actividad busca articular y conectar las reflexiones sobre el dibujo que han acompañado el proyecto desde sus inicios, ofreciendo una mirada más cercana al proceso creativo.

Inscripción previa en el 91 276 02 21 o en el correo electrónico ca2m@madrid.org

El artista Antonio Ballester Moreno desvelará lo más destacado de su práctica artística en un recorrido por su muestra El cielo y la tierra.

A través de esta visita se podrá conocer más de cerca las ideas, formas de trabajo y el proceso participativo que ha llevado a cabo para establecer un diálogo entre su propia obra y las piezas de la colección del Museo CA2M presentes en esta exposición.

Una oportunidad para acercarse a la muestra desde la mirada y la voz de su propio autor.

Antonio Ballester Moreno

Entiende el arte como un gesto educativo, no como una expresión. Partiendo de esta idea, ha trabajado sobre el paisaje y el contexto como parte de nuestra propia identidad y formación. La Institución Libre de Enseñanza y los movimientos culturales de finales del siglo XIX y principios del XX son una referencia importante en su trabajo por el vínculo que tuvieron en relación a estas ideas.

Ha realizado exposiciones en Patio Herreriano de Valladolid, usando el archivo pedagógico del escultor Ángel Ferrán en conjunción con su propio trabajo. En Artium Museoa  de Vitoria trató el tema de la educación desde el juego y la motricidad. Y en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia en León trazó un recorrido histórico a través de los artistas que participaron en los movimientos regeneracionistas hasta la Escuela de Vallecas. También es importante su participación en la 33 bienal de São Paulo como artista y comisario, donde puso de manifiesto todas estas ideas basadas en la continuidad entre la experiencia estética y los procesos naturales de la vida, rompiendo con conceptos dualistas como el arte culto frente al popular, lo estético en contraste con lo práctico, y el artista frente a la gente "ordinaria”.

Porque todos, sin excepción, somos creativos, y el fin de toda creación no es la pura verdad del conocimiento en sí, sino simplemente mejorar la experiencia.

FECHAS

• Sábados 17 de octubre 12:30- 13:30
• Sábado 14 de noviembre 12:30 - 13:30

Actividad gratuita con inscripción previa en el teléfono 91 276 02 21, en el correo electrónico: ca2m@madrid.org o en la recepción del Museo. Aforo: 20 personas.

¿Cómo se ven afectados los procesos artísticos cuando tienen lugar en colectividad? ¿Pueden las relaciones que los atraviesan, como hifas micelares, componer modos provisorios de lo común?

Este laboratorio es un espacio de encuentro, investigación y experimentación en torno a las prácticas artísticas colectivas. Un espacio en el que pensares y haceres se movilicen entre colectivos artísticos, personas vinculadas a la investigación, asociaciones y públicos. Pretende, así, articular relaciones entre agentes culturales, artísticos, sociales y comunitarios.

A través de conversaciones, encuentros y prácticas compartidas, se activarán memorias y se compartirán procesos para ensayar formas diversas de hacer juntos, imaginando materializaciones posibles que permitan acercarnos a los modos que tienen lugar en colectividad. Nos interesa atender a aquello que aparece en la relación, lo que se transforma, lo que se desplaza y lo que emerge cuando las prácticas artísticas parten de la composición de singularidades.

El laboratorio se desarrollará a través de 10 sesiones (algunas abiertas y otras cerradas), que combinarán conversaciones públicas y encuentros de experimentación colectiva. Las voces, imágenes, materiales y gestos que surjan de estos intercambios irán conformando un dispositivo abierto a los flujos y saberes que nos permitirá prolongar los encuentros más allá del propio laboratorio. Las sesiones públicas serán espacios para compartir estas experiencias, activar nuevas conexiones y hacer circular preguntas que vayan surgiendo en el laboratorio.

Los encuentros de experimentación colectiva se desarrollan en colaboración entre: [InPAS], Kit Canibal, La Liminal, La Burra Negra, Cangrejo Pro, Colectivo Ayllu y Tejiendo Móstoles. Contarán, asimismo, con la participación de La Abandonada, Adrián Vilar & Daniela C. Castanedo y Patio Colective.

Coordinación: Estrella Serrano Tovar (jefa de Educación y Actividades Públicas del Museo CA2M) y Rut Martín Hernández (IP FCT-24-21251 y Profesora Titular de la Facultad de Bellas Artes UCM). Equipo: Xirou Xiao (UAB), Pilar del Puerto Hernández González (UEM), Nuria Rey (URJC), Mar Castillejo Higueras (UNIR) y Daniela Ricciardi (USACH).

PROGRAMA

Jueves 22 de octubre. 18:30 - 20:30. Andrea Soto Calderón. Levantar imágenes, trabajar con lo que se resiste.

Existe un prejuicio muy extendido que considera que las imágenes son estados de cosas que pretenden mostrar la realidad, constatar lo que existe o denunciar una determinada situación, pero las imágenes tienen estatutos mucho más complejos cuya eficacia no depende únicamente de sus cualidades formales, sino también de las relaciones que establecen con los espacios, los objetos, los cuerpos y las prácticas sociales que las activan. Esta conferencia propone reflexionar en torno al dinamismo de las imágenes y sus prácticas performativas, pero también sobre cómo cuidamos nuestra imaginación para crear imágenes que nos permitan introducir en la vida una posibilidad y conectar con formas de experiencia con las que no tenemos relación. En este sentido, la inquietud que mueve esta intervención es interrogar nuestras prácticas imagéticas, compartir formas de ensayo que amplie sus formas de contagio. 

Miércoles 28 de octubre. 18:30 - 20:30. Alejandra López Gabrielidis. El cuerpo de datos. Adentro y afuera de nuestras vidas digitales.

La noción de "cuerpo de datos" es una herramienta conceptual que nos permite nombrar y abordar ciertas transformaciones generadas por las tecnologías digitales, al mismo tiempo que nos brinda una perspectiva más amplia e integral sobre la propia concepción de la "tecnología", en términos generales. Solemos entender esta última, como un proceso de exteriorización de funciones corporales hacia los objetos técnicos, pero este movimiento hacia fuera supone siempre un movimiento de interiorización de los objetos técnicos en los cuerpos. Si el cuerpo es el eje que estructura nuestra presencia, percepción, acción y cognición, ese eje hoy en día se halla profundamente afectado por las dinámicas que entrelazan datos y vidas. ¿Puede que la datificación esté transformando nuestra corporalidad, generando una nueva capa digital en ella? ¿Puede que los datos sean el barro de un nuevo cuerpo que aún no sabemos ni nombrar, ni gestionar? En esta sesión abordaremos el anverso y el reverso de nuestro cuerpo de datos, ahondando en cómo se sienten los datos en los cuerpos, qué dinámicas y ritmos psico-sociales introducen en nuestras vidas; y por otro lado, qué produce en el mundo nuestra vida exteriorizada en los datos, pasando por su contribución a la generación de sistemas de inteligencia artificial y profundizando en una perspectiva económica que reconozca en los datos, no solo un valor productivo relacionado con el capital, sino también un valor de reproducción social, arraigado en la vida en común. 

Miércoles 4 de noviembre. 18:30- 20:30. Patricia Mayayo. Feminismos y agencias colectivas en el campo artístico español.

El surgimiento de las prácticas colectivas comprometidas con los feminismos en el mundo del arte en España suele situarse en los años noventa del siglo XX. En ese momento, se produce una eclosión de intervenciones artísticas de sesgo activista que buscan incidir directamente en la vida social y superar la visión tradicional del artista que había imperado en los ochenta; en otras palabras, se promueven prácticas que, si bien se sirven de las herramientas y saberes del arte, se producen socialmente y se distribuyen también socialmente muchas veces en colaboración con otra serie de agentes que no pertenecen en sentido estricto al mundo artístico. Por otro lado, al mismo tiempo, el nacimiento de la década de los 90 también es un momento de reformulación y cambio para los movimientos sociales y en particular para los feminismos.

En esta conferencia, además de reflexionar sobre las características y objetivos de este tipo de prácticas, se propone releer el relato histórico construido sobre ellas, proponiendo un recorrido genealógico algo distinto al habitual. Veremos cómo este tipo de prácticas dialogan con una serie de precedentes impulsados por mujeres en el arte durante el franquismo, que, si bien no disponían de las herramientas teóricas que se manejarán a partir de finales del siglo XX, anticiparon algunas formas de lucha y agenciamiento colectivo que se explorarán en la contemporaneidad.

Andrea Soto Calderón es doctora en filosofía, profesora de Estética y Teorías del arte y coordinadora del programa de doctorado en filosofía en la Universidad Autónoma de Barcelona. Además de su actividad docente, durante casi una década realizó una investigación en torno a los funcionamientos de las imágenes en La Virreina Centre de la Imatge, en Barcelona. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la investigación artística, el estudio de la imagen y los medios. Su producción científica se refleja en diversos artículos publicados en revistas de carácter internacional, capítulos de libros y textos para catálogos de artistas. Ha presentado sus trabajos en diversos contextos como en España, Brasil, Chile, Argentina, Colombia, Portugal, Francia u Holanda. Entre sus publicaciones destaca su libro El trabajo de las imágenes (2022) junto a Jacques Rancière, Les presses du réel (2019), La performatividad de las imágenes, Metales Pesados (2020), Imaginación material, Metales Pesados (2022), Indisciplinas de la mirada, Kikuyo (2025), Imágenes que resisten. La genealogía como método crítico, Metales Pesados (2026), Pensar al borde del discurso (en prensa). 

Alejandra López Gabrielidis es filósofa e investigadora especializada en arte y tecnologías digitales. Su investigación se centra en la relación entre los datos digitales y el cuerpo desde un paradigma de agencialidad y cognición distribuidas. Actualmente trabaja como coordinadora del Centro de Estudios de Doctorado y profesora de Estética y Teoría de las Artes en los grados de Diseño y Bellas Artes de BAU, Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona. Colabora también con la UNESCO en cuestiones vinculadas a las tecnologías digitales en el sector cultural. Ha sido investigadora postdoctoral en la Unidad de Tecnopolítica del grupo CNSC (Communication Network and Social Change) en el Internet Interdisciplinary Institute (IN3) de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), y co-Coordinadora del Vector de Conceptualización Sociotécnica. Además de su labor investigadora, ha traducido obras de autores como Franco “Bifo” Berardi y Katherine Hayles.

Patricia Mayayo es Catedrática de Historia del Arte en el Departamento de Historia y Teoría y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus líneas de investigación se centran en la historia de las mujeres artistas, la historiografía y las prácticas artísticas feministas y el arte contemporáneo español. Es autora, entre otras muchas publicaciones, de los libros Arte en España, 1939-2015. Ideas, prácticas, políticas (Cátedra, 2015), Frida Kahlo. Contra el mito (Cátedra, 2008) o Historias de mujeres, historias del arte (Cátedra, 2003). Ha co-editado las monografías Dossiê - Feminismos em campos expandidos (MODOS: Revista de História da Arte, Brasil, 2023) y Making Art History in Europe after 1945 (Routledge, 2020). Ha sido comisaria de las exposiciones 31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim (Fundación Mapfre, Madrid y  Museu de Arte Contemporânea-Centro Cultural de Belém, Lisboa, 2024-25), El poder con que saltamos juntas. Mujeres artistas en España y Portugal entre la dictadura y la democracia (Valencia, Instituto Valenciano de Arte Moderno, 2024), Territorios que importan. Género, arte y ecología (Huesca, Centro de Arte y Naturaleza, 2018-19) y Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010 (León, MUSAC, 2012). En la actualidad es co-IP del proyecto de I+D “"Tres veces rebeldes. Redes, estrategias y agencias femeninas en el campo artístico durante el franquismo", (PID2023-148557NB-I00, MICN/AEI).

Esta actividad es parte del proyecto FCT-24-21251, que cuenta con la colaboración del Museo CA2M y de la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología - Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades, y se desarrolla en el marco de las líneas de investigación de PID2024-155474NB-I00, financiado por MICIU/AEI /10.13039/501100011033 y por FEDER, UE.

Hacemos Un Collage. Recortamos. Pegamos. Elegimos. Siempre quedan trozos, esparcidos, desechados, excluidos y guardados. Pedazos que no sirven para esa acción, para la obra principal.

Restos de una imagen que pudo ser y no fue. RECORTAR ES DESCARTAR. Incluso se prescinde de la propia idea. Nos asomamos, miramos, ahí está lo que no tiene utilidad hasta que aparece el claro del bosque. Ahora sabemos para qué nos sirven. ¡Queremos ver renacer los descartes ! Comprobamos que no implican desecho; han estado esperando hasta una nueva resignificación: visibilizar lo invisible, el trabajo oculto, las horas habitadas, los pensamientos albergados, las huellas de aquello que no se veía.

Nos pasamos la vida tomando decisiones, eligiendo un camino. En él nos encontramos con otros caminantes y creamos red, en el vagar y divagar de la experiencia compartida. Pero, ¿y esos senderos que dejamos atrás? ¿Acaso no nos define tanto lo que elegimos como lo que descartamos? ¿Podemos permitirnos desandar lo andado?

Ahora que miramos hacia atrás, volvamos a tener otra oportunidad. No solo para soñar, también para hacer y repensar lo vivido con otra mirada. Sabemos que elegir es renunciar y no nos apetece.

Queremos los márgenes, los trozos en espera y nuestras reuniones de debate. Queremos seguir caminando, pero esquivando las líneas rectas, los principios y los finales. Elegimos, sí, pero sabiendo que lo que queda atrás hoy, mañana lo podemos repensar. Nos unimos, descartadas o no. Nos hacemos fuertes al estar y crecer juntas. Queremos crear un bonito collage, donde antes solo había descartes.

Un collage siempre inacabado.

Las hijas de Yocasta.

• El Grupo de Lectura es un grupo autónomo de investigación impulsado por el colectivo Las Hijas de Yocasta. Una cita permanente dentro de la vida del Museo CA2M. Un lugar donde detenerse, leer, conversar y experimentar colectivamente otras maneras de relacionarnos con las ideas, los textos, las personas y la propia institución.
• Cada quince días se reúnen para compartir lecturas, abrir preguntas, intercambiar experiencias y pensar formas de estar, hacer y construir en común.
• La participación es libre y abierta. No se requieren conocimientos previos, únicamente curiosidad, ganas de compartir y el deseo de formar parte de una comunidad de aprendizaje e investigación.

PROGRAMA:

Otoño 2026: 22 de octubre / 12 noviembre / 26 noviembre / 10 diciembre.

2027: 7 y 21 de enero / 4 y 18 de febrero / 4 y 18 de marzo/ 1, 15 y 29 de abril / 13 y 27 de mayo / 10 de junio

Las hijas de Yocasta. 

¿Quiénes somos? Las Hijas de Yocasta.

Nos llamamos las Hijas de Yocasta porque nos gusta el nombre, porque todas somos hijas, y porque Yocasta era la mamá (y la esposa) de Edipo que tantos disgustos (y placeres) le dio. En el libro Los Hijos de Yocasta de Christiane Olivier encontramos la excusa del nombre y nos lo hemos apropiado. Es nuestro. Cuatro hijas. Somos la resistencia de los grupos de lectura del Museo CA2M. Pero ya somos más que el origen, tenemos voz propia. Unidas por el gusto de hablar y hablar, buscándole siempre las vueltas a todo.

Tras la acogida de la edición de primavera, el Museo CA2M recupera este otoño una nueva edición de, Pero… ¿Esto es arte?, su histórico curso de introducción al arte contemporáneo, en horario de mañana. Un espacio pensado para acercarse al arte desde la curiosidad, el diálogo y la experiencia compartida, siguiendo el espíritu de las universidades populares.

Este curso está dirigido a todas aquellas personas que alguna vez se han detenido frente a una obra preguntándose precisamente eso: “¿Pero… Esto es arte?”. A lo largo de cuatro sesiones nos acercaremos a algunas de las cuestiones, ideas y experiencias que nos ayudan a relacionarnos con el arte contemporáneo, descubrir algunas de sus claves y reconocer cómo se entrelaza con nuestra vida cotidiana.

En esta ocasión, miembros del equipo del Museo CA2M compartirán las obras, lecturas, encuentros y experiencias que han marcado de forma decisiva su relación con el arte. Aquello que, en algún momento, transformó una mirada, abrió una pregunta o dejó una huella duradera. Cada sesión partirá de una aproximación personal para desplegar conversaciones más amplias sobre las formas en que el arte nos acompaña, nos interpela y nos ayuda a pensar el mundo.

Con los años, este curso ha dado lugar a una comunidad cercana al museo formada por personas de trayectorias e intereses diversos que encuentran aquí un espacio para pensar juntas. Cada encuentro se convierte así en una conversación abierta donde las preguntas circulan, las experiencias se cruzan y cada voz aporta una perspectiva singular. Participar en el curso es formar parte de ese espacio vivo en el que se aprende de las obras, de las ideas y también de la escucha compartida.

Las sesiones combinarán la presentación de materiales e ideas con momentos de conversación colectiva, favoreciendo un acercamiento al arte contemporáneo basado en el intercambio, la reflexión y la construcción conjunta de sentido.

Un curso para descubrir el arte desde las preguntas que nos mueven, para compartir formas de mirar y para seguir construyendo, entre todas, una comunidad de aprendizaje alrededor del museo.

PROGRAMA

• 20 de octubre.  ¡Qué bonito, qué interesante, qué emocionante!  Vanessa Pollán. Jefa de Comunicación del Museo CA2M.

Yo también dije una vez: “Pero… ¿esto es arte?”. Un recorrido desde que la perfomance de María Gimeno Queridas Viejas me hace abrir incrédula el libro de Gombrich hasta la importancia del relato de un árbol de Javi Cruz. Desde mi llegada al departamento de Comunicación, he tenido la oportunidad de hablar con muchos de los artistas que han pasado por el Museo CA2M en exposiciones individuales o colectivas. En esta sesión rescatamos conversaciones, recuerdos e imágenes para ponernos cara a cara frente al arte más actual.

• 27 de octubre. ¿Puede el arte no ser político? Conversaciones sobre conceptos, entrañas y grietas. Estrella Serrano. Jefa de Educación y Actividades Públicas del Museo CA2M.

Se dice que “todo arte es político”, pero… ¿sigue significando algo o se ha convertido en una frase hecha? En esta sesión exploraremos cómo este y otros conceptos del arte contemporáneo han acabado por sufrir un paulatino desgaste conceptual a fuerza de tanto repetirse. Queremos explorar cómo ciertas expresiones artísticas prefieren colarse en lo cotidiano y cuestionar nuestras certezas, sin necesidad de mensajes directos, terminología enrevesada, lecciones morales ni protestas obvias. Más bien, apelando a lo visceral o a aquello que nos emociona.

• 3 de noviembre. Exposición imposible. "Su misión, si decide aceptarla..." Gema Bayón, Ignacio Macua, Mª Teresa Bogajo. Departamento de Exposiciones y Publicaciones del Museo CA2M.

¿Cómo transportarías una piedra de seis toneladas desde la Sierra de Guadarrama hasta el Museo CA2M de Móstoles? ¿Cómo la instalarías en las salas del Museo y la convertirías en una fuente? En esta sesión el departamento de Exposiciones hará una revisión de los retos a los que se enfrenta en su día a día para el montaje de los diferentes proyectos expositivos. Para ello pondrá sobre la mesa ejemplos significativos de exposiciones que han supuesto un verdadero desafío en los transportes de obras más complejos o en los montajes museográficos más subversivos, haciendo hincapié en la parte que no se ve; la gestión de exposiciones temporales.  

• 10 de noviembre. ¿Y si damos un paseo por los entresijos de un museo? Ana Ballesteros. Subdirectora del Museo CA2M.

Más allá de las exposiciones y las actividades, existe todo un entramado de personas, espacios, cuidados y procesos que hacen posible la vida del museo. Habitualmente permanecen fuera de nuestra mirada, pero son fundamentales para que todo funcione. En esta sesión nos adentraremos en ese territorio menos visible del museo: las salas ocultas, las tareas silenciosas, los sistemas que sostienen el día a día y las personas que hacen posible que todo funcione. Nos acompañarán trabajadoras y trabajadores del Museo CA2M que, desde diferentes áreas y responsabilidades, nos abrirán las puertas de aquello que ocurre entre bambalinas y nos permitirán descubrir los procesos, cuidados y formas de trabajo que hacen posible que el museo exista, se transforme y siga vivo cada día.

A 20 de junio del 2026 en Móstoles, queda constituido el Real Ballet del Museo CA2M. Integrado por unos 27 cuerpos danzantes, de edades, cuerpos y condiciones de salud sin clasificar, con sede en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, teniendo la danza como lenguaje primordial, pero en absoluto excluyente y haciendo del mundo, las personas y los espacios, escenarios con los que ensalzar los encuentros, los cruces y los contagios.

Tomamos nota de su trayectoria y advertimos de su continuidad con la esperanza de seguir ampliando horizontes del aquí, despertares sorprendentes y formas de bailar colectivas que revolucionan lo real.

Si tienes más de 16 años y ganas de formar parte de una comunidad que se encuentra en torno a las prácticas de la danza y la performatividad; con la mente abierta en relación con lo que puede, o puede no ser, la danza y el bailar; con el deseo de experimentar e investigar la riqueza del movimiento, bien sea en la calle o en un escenario, y  no temas mostrarte explorando cosas nuevas que no controlas del todo… ¡El Real Ballet del Museo CA2M es tu compañía de danza!

NOTA: Para este curso 2026-2027, el Real Ballet del Museo CA2M cuenta con 10 plazas libres. Puedes solicitar una plaza entre el 21 de septiembre y el 4 de octubre, tanto online como presencialmente en el museo. Una vez cerrado el plazo de inscripción, las plazas se asignarán mediante sorteo entre las personas inscritas. El sorteo se realizará el 5 de octubre y el 6 de octubre comunicaremos el resultado a las personas participantes.

Oihana Altube, bailarina y artista, se sitúa en los márgenes de la Danza, las Artes Vivas y las prácticas psico-físicas (terapéuticas). Su trabajo aborda el bailar como potencia para la transformación vital y social, y hace uso de la danza académica.

Javier Vaquero es coreógrafa, gestora cultural y docente con una trayectoria internacional en danza contemporánea y creación transdisciplinar. Su trabajo explora el cuerpo como lugar de conocimiento, resonancia y relato, investigando las relaciones entre movimiento, lenguaje e identidad desde una perspectiva queer y situada.

FECHAS

• 24 de octubre 
• 7 y 21 de noviembre
• 12 y 19 de diciembre
• 16 y 30 de enero
• 13 y 27 de febrero
• 13 de marzo
• 3, 10 y 24 de abril
• 8, 22 y 29 de mayo
• 12 de junio    

Estos son algunos de los rastros que han quedado del proceso de constitución del Real Ballet del Museo CA2M a lo largo de los meses que van entre enero a junio 2026:

Real: cuerpazos de baile: vidas reales

El Museo como casa: un museo “pista de baile” y su comunidad de vecinas

Comunidad de “grupo”, 

no comunidad de comunidad autónoma

En las pausas: mandarinas y galletas príncipe. Un cigarrillo

En las prácticas: ¡cuidado con el hámster!

Escoge a una persona y síguela 

¿pero que esté viva o muerta?

• La fisicalidad del otro / abrirse a otros cuerpos.
• El asombro.
• Las presentaciones ayudan.
• Bailar entre ellas: joven / mayor.
• Conexión, tacto.
• No hay cansancio.
• Es desconocido ¿Qué queréis de nosotras?
• ¿Hasta dónde vamos a llegar?
• Personas juntas pero diversas.
• Percibir la abertura. Que el cuerpo se expanda.
• Conocer gente nueva.
• Estar conmigo y estar con otros.

Mi piel

La piel de las cosas

El espacio entre las pieles

El espacio es piel

¿Cómo es ver desde las manos?

viento / algas / mono / alegría / rojo / Dorothy Iannone

¿Cómo se convierte tu cuerpo en la obra?

historia / poderío / púbico / misterio / identidad / juego / estrellas / brilli-brilli / independencia / 

fortaleza / vulvas / placer / colorido / misterio / fraternidad / rompedora / libertad / emoción /

sentado / erotismo / curiosidad / imaginación / fuerza / cooperativismo / camastro / vivos / pasado

Cada viernes por la mañana, un grupo de personas se reúne en el museo alrededor de una excusa sencilla: cuidar un huerto. Pero, como ocurre con las mejores excusas, la cosa va mucho más allá de las plantas.

El huerto es un lugar para aprender, compartir experiencias y estar pendientes de lo que necesita crecer. A veces se habla de semillas, de esquejes o de cómo salvar una planta que parece haberlo pasado mal. Otras veces se intercambian trucos, recetas de kéfir, dudas, ideas o simplemente ganas de hacer cosas en compañía. Quienes participan cuidan el huerto de la terraza del museo, observando cómo cambian las estaciones y afrontando los desafíos que trae cada una. Cuando el riego falla, llega una plaga o la tierra se seca demasiado rápido, siempre aparece alguien con una experiencia que compartir o una mano dispuesta a ayudar. También hay que alimentar a las lombrices, preparar semilleros, mejorar la tierra o recibir a quienes se acercan a conocer el proyecto. Si algo nos enseña el huerto es que muchas de las cosas importantes requieren tiempo, atención y cuidados.

El huerto del museo es un lugar donde pueden convivir personas, experiencias, saberes y formas de hacer muy distintas. Un espacio que deja margen para la sorpresa, donde no todo sigue el plan previsto. A veces aparecen brotes donde nadie los esperaba; otras, son las ideas, los aprendizajes o las relaciones fortuitas las que terminan echando raíces.

Puedes participar en los encuentros en cualquier momento del curso. Los viernes por la mañana podrás encontrar al grupo reunido en la biblioteca, trabajando en los bancales de la terraza o, quizá, visitando algún lugar que les inspire para seguir aprendiendo. Te esperamos.

Un jueves por la tarde al mes nos reunimos alrededor de una fascinación compartida: la imagen en movimiento. A veces la excusa es coger una cámara. Otras veces es hablar de la última película que hemos visto o de aquella escena que reaparece de pronto porque alguien ha dicho algo que la trae de vuelta. Entre conversaciones, visionados y notas apresuradas en una libreta, vamos recogiendo ideas, preguntas y hallazgos que nos parecen demasiado importantes como para dejarlos pasar. Algunas encuentran su forma enseguida; otras necesitan más tiempo y reaparecen cuando menos lo esperamos.

Este grupo es un lugar para pensar colectivamente sobre cine y educación. Compartimos referencias, hacemos propuestas y ponemos a prueba intuiciones. A menudo traemos ideas que queremos experimentar en nuestras aulas o proyectos educativos, buscando un espacio donde ensayarlas antes de llevarlas a cabo. También encontramos el tiempo para producir nuestras propias piezas audiovisuales, algo que no siempre resulta fácil entre clases, reuniones y evaluaciones.  

Porque a veces necesitamos parar, mirar y volver a aquello que nos sigue despertando curiosidad: las imágenes y las historias. En el grupo, las ideas circulan entre conversaciones, películas, lecturas y experiencias compartidas. Como en el cine, trabajamos con tiempos diversos: algunas propuestas toman forma enseguida y otras necesitan esperar, madurar y encontrar el momento adecuado para reaparecer. A lo largo del curso invitaremos a artistas y cineastas a compartir sus procesos de trabajo, conocer otras formas de hacer y abrir nuevas conversaciones.

Puedes incorporarte al grupo en cualquier momento del curso. Rellena el formulario y te informaremos de los próximos encuentros. Si te interesa el cine, la creación audiovisual o las posibilidades educativas de la imagen en movimiento este es tu sitio.

SESIONES

• 17 de septiembre
• 8 de octubre. Encuentro con Marta Azparren. La estrategia de la ceguera *
• 12 de noviembre
• 10 de diciembre

Encuentro con Marta Azparren. La estrategia de la ceguera.

¿Cómo describirías el color azul a una persona que nunca ha visto?

A partir de esta pregunta, La estrategia de la ceguera propone un desplazamiento: suspender la mirada para explorar otras formas de percepción, explorar lo visible desde su ausencia. A partir de las reflexiones del ensayo Cine ciego sobre monocromos y películas sin imagen, la propuesta es teñir el espacio sin pintura ni luz: un color solo posible a través del cuerpo, la palabra, la memoria. Una invitación a ver desde la oscuridad en un viaje de ida y vuelta hacia las imágenes.

Marta Azparren. Artista visual no-visual. Se mueve entre el cine experimental/expandido, las artes vivas y el dibujo. Su mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, lo que tiende a desaparecer. Ha publicado recientemente el ensayo «Cine ciego. Detener el flujo de las imágenes» sobre el cine monocromo y las imágenes sin imagen.

¿Cuál es la relación entre el arte y la reclusión? ¿Qué papel desempeña la cultura en una institución cerrada? ¿Cuál es su impacto? ¿Es suficiente la oferta cultural que llega a su interior? ¿Es la misma en los centros penitenciarios de mujeres y de hombres?

La Casa Encendida, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo y la Asociación teta y teta organizan las jornadas Quererse libre. Artes y reclusión, un encuentro dedicado a reflexionar sobre el papel de la literatura y el arte en los centros penitenciarios. Durante dos días y en dos espacios diferentes, estas jornadas invitan a reflexionar sobre la importancia de la cultura en la cárcel: una institución cerrada, aislada y a menudo olvidada, especialmente en el caso de las mujeres.

El 24 de junio, en La Casa Encendida, tendrá lugar una jornada dedicada A las Olvidadas, una iniciativa de recogida de libros dedicados por la ciudadanía e impulsada por la Asociación teta y teta, que busca visibilizar la situación de las mujeres en prisión y reflexionar sobre la reclusión femenina en relación con la literatura. Puedes consultar el programa completo aquí.

Durante el día 25 de junio, la jornada en el Museo CA2M estará girará en torno a COSMORAMA, un programa pionero puesto en marcha por el museo en 2024 en colaboración con la ONG Solidarios para el Desarrollo. Con Cosmorama, el Museo CA2M ha desarrollado una serie de actividades –concursos de dibujo, cursos, talleres y charlas– que proponen nuevas formas de relación y participación, convirtiendo las prisiones en lugares en los que experimentar y generar conocimiento compartido desde la práctica y la experiencia colectiva.

A lo largo del último año, y gracias al apoyo Fundación Sabadell, se están llevando a cabo distintas acciones educativas centralizadas en el Centro Penitenciario Madrid V - Soto del Real, que cuenta incluso con una sala de exposiciones con el mismo nombre del del programa y en la que se exponen las obras y proyectos realizados por los internos, cuestionando así los límites tradicionales del arte y sus públicos.

Con ello, esta Jornada COSMORAMA en el Museo CA2M pretende ser un espacio de encuentro en torno a lo sucedido durante el desarrollo del programa Cosmorama, pero también una oportunidad para reflexionar colectivamente sobre el papel del arte y de la cultura como herramienta de cambio dentro las instituciones penitenciarias: lo que se ha conseguido, sus posibilidades y los retos que aún se plantean

PROGRAMA:

10:30 Presentación de la jornada. 
Tania Pardo (directora del Museo Centro de Arte Dos de Mayo), Pablo Berástegui (director de La Casa Encendida) y Sonia Mulero (directora de Fundación Banco Sabadell).

11:00 Conferencia inaugural: “Una mirada interseccional de la geografía carcelaria”. 
Pastora Filigrana (abogada laboralista y defensora de Derechos Humanos).

12:30 Mesa de experiencias. 
Clemente Bernad (artista), Antonio Ballester Moreno (artista) y Fátima Moreno (artista).

Descanso

16:00 Conversación entre Álvaro Crespo (ONG Solidarios para el Desarrollo), internos del Centro Penitenciario Soto del Real - Madrid V y Tania Pardo.

17:00 Mesa de experiencias.
Álvaro Perdices (artista), Marina Roca (artista) y Taxio Ardanaz (artista).

18:00 Mesa de experiencias.
Elena Rosauro (comisaria y cineasta), Amelia Repetto (actriz, creadora escénica y ex médica psiquiatra) y Lidia Mateo Leivas (investigadora y profesora en la UNED).

19:00 Cierre de las jornadas y acción de recogida de cartas dirigidas a personas privadas de libertad.

La jornada será relatada gráficamente por el ilustrador Quique Palomo.

SOBRE LOS PARTICIPANTES

Taxio Ardanaz (Pamplona, 1978) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y actualmente es artista residente en La Escocesa (Barcelona). Durante estos últimos años ha desarrollado su trabajo en instituciones y programas como el Centro de Residencias Artísticas Matadero (Madrid) o Artista x Artista (La Habana). Interesado en las tensiones que se producen entre ideología, representación y memoria, se encarga de explorar, desde la pintura, la instalación o el archivo fotográfico, las huellas físicas de proyectos políticos truncados y otras formas de resistencia colectiva. Su obra está presente en diversas colecciones públicas y privadas, y ha sido expuesta en galerías e instituciones como Tabacalera (Madrid) o la Academia de España en Roma.

Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977) vive y trabaja en Madrid. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo Centro de Arte (Madrid), en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia (Cerezales del Condado, León), en el Museo ARTIUM (Vitoria), en el Museo Patio Herreriano (Valladolid) y La Casa Encendida Madrid); así como galerías de Madrid, Lisboa, São Paulo o Los Ángeles. También ha participado en exposiciones colectivas, como en la 33 Bienal de São Paulo como artista y comisario, en el MUSAC (León) o en el MSU Broad Museum (Michigan). Su trabajo está presente en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o la Colección Banco de España.

Clemente Bernad (Pamplona/Iruñea, 1963) es fotógrafo y cineasta documental desde 1986, con un fuerte interés por las temáticas sociales y políticas dentro de su entorno cultural más cercano. En la actualidad trabaja sobre la situación sociopolítica contemporánea y desarrolla su actividad como profesional independiente, en un amplio sentido del término.

Pastora Filigrana (Sevilla, 1981) es abogada laboralista y defensora de Derechos Humanos. Activista feminista y antirracista con un compromiso profesional y vital en la lucha contra el antigitanismo. Autora del libro El pueblo gitano contra el sistema-mundo. Reflexiones desde una militancia feminista y anticapitalista (Akal, 2020). Es especialista en derecho laboral y sindical y experta en derecho de extranjería. Cuenta con una maestría de Derechos Humanos, Interculturalidad y Desarrollo por la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla. Es abogada en ejercicio del Ilustre Colegio de Abogados de Sevilla y en la actualidad es directora de la Asociación contra el Odio.

Lidia Mateo Leivas es profesora, escribe e investiga. Trabaja en el Departamento de Historia del Arte de la UNED, en donde entrecruza los Estudios de Memoria, la Cultura Visual, el pensamiento transfeminista y ecosocial, la antropología de las imágenes y la imaginación radical. También es tutora de Acceso a la Universidad en la cárcel de Alcalá Meco, donde ha realizado talleres de escritura y ex-presión. Además de escribir puntualmente en fanzines, ha publicado en revistas como Memory Studies o el JSCS, y es autora de dos monografías: El reverso de la censura. Cine clandestino durante el tardofranquismo y la transición (CENDEAC, 2020) e Imaginarios de la clandestinidad. Complicidad, memoria y emoción en nueve tramas (Akal, 2022). Actualmente, forma parte de La Laboratoria. Espacio de Investigaciones Feminista, entre otros colectivos y espacios de militancia. Le interesa tejer lugares de encuentro entre el pensamiento teórico y la acción política.

Fátima Moreno (Granada, 1980) es artista visual. Formada en grabado, desarrolla una práctica centrada en el dibujo y la pintura. Su trabajo explora un imaginario que transita entre lo onírico, lo satírico y lo psicodélico, a través de un lenguaje gráfico libre y espontáneo. Ha presentado su obra en exposiciones individuales y colectivas en España y Portugal, en espacios como Galería Ehrhardt Flórez (Madrid), Galeria Zé dos Bois (Lisboa) y Galería Nave (Lisboa). Paralelamente, desarrolla colaboraciones en los ámbitos de la moda, el diseño y la cultura, y compagina su práctica artística con la impartición de talleres de dibujo.

Álvaro Perdices (Madrid, 1971) es un artista visual y comisario de exposiciones. Se formó entre Madrid y Los Ángeles, ciudad en la que residió más de dos décadas. Ha formado parte del Departamento de Exposiciones del Museo del Prado, donde desarrolló diversos proyectos expositivos y educativos, como La mirada del otro y Jardín infinito.

Quique Palomo (Madrid, 1966) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, es ilustrador profesional desde 1991 y colaborador habitual en editoriales, grupos educativos y prensa. En los últimos años ha desarrollado una destacada labor en el cómic histórico, abordando los años de gobierno de Salvador Allende en El Golpe (Pehuén, 2013) y las biografías de Federico García Lorca y Antonio Machado en Vida y muerte de Federico García Lorca (Ediciones B, 2016) y Ligero de equipaje. Vida de Antonio Machado (Ediciones B, 2017), ambas en colaboración con Ian Gibson. Más recientemente ha publicado con Planeta Cómic Cuatro poetas en guerra (Planeta, 2019) y La vida incombustible de Salvador Dalí (Planeta, 2023). Compagina su labor artística con la docencia en el Campus Creativo de la Universidad Europea de Madrid.

Amelia Repetto (Argentina,1983 residente en Madrid) es actriz, creadora escénica y médica psiquiatra especializada en arte y salud mental. Su trabajo se desarrolla en el cruce entre teatro, performance, artes visuales e investigación, explorando las relaciones entre cuerpo, memoria, archivo, violencia y representación desde una perspectiva latinoamericana. Formada en la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires y en el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (MNCARS y UCLM), ha desarrollado proyectos en Argentina, México y España. Desde 2022 colabora con instituciones como el Museo Reina Sofía, el Museo Centro de Arte Dos de Mayo o el Teatro Pradillo. Entre sus creaciones destacan Artificio para atravesar la psicosis y BZD. El entierro, entre otras.

Marina Roca (Madrid, 1988) es una artista que trabaja mayoritariamente en el campo de la pintura y el dibujo. Estudió un grado superior de escultura en la Escuela de Arte La Palma, y después se especializó en pintura durante cinco años en el Estudio Arjona, donde ganó una beca al mérito. Tras años de dibujo de modelo al natural en El Círculo de Bellas Artes y un curso de dibujo de anatomía en Central Saint Martins en Londres, se mudó a Berlín. Residió allí durante ocho años, donde realizó sus primeras exposiciones y publicaciones. En 2020 volvió a Madrid, donde vive y trabaja ahora. Su obra se ha expuesto en ciudades como Londres o Ámsterdam y forma parte de colecciones privadas. Actualmente está representada por la Galería El Chico (Madrid).

Elena Rosauro (Madrid, 1985) es curadora, editora, investigadora, cineasta y gestora cultural. Trabaja con instituciones, proyectos independientes y artistas en el desarrollo de exposiciones, publicaciones y proyectos audiovisuales relacionados con el arte contemporáneo.

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