Inscripción gratuita

Inspirado en los jardines salvajes y las flores que crecen donde nadie las espera, este taller invita a familias a crear, imaginar y experimentar juntas. Sesión tras sesión construiremos un universo propio donde las rarezas, los mitos y la libertad de crecer a nuestra manera tengan un lugar.

Los jardineros decían: "Árbol que crece torcido… ¡jamás su rama endereza! Hay que tutorizar las ramas, si no, las raíces pueden romper el hormigón, pueden conquistar la casa".

Además de esto, también decían: "¡Esto está lleno de hierbajos! Hay que arrancar las malas hierbas, no hay que dejar al jardín irse en vicio”.

Ellos no pensaban que es en la maleza, en el bosque enmarañado, donde habitan las hadas, los insectos más fantásticos y donde se forman los mitos.  

En este taller se reivindica el “crecer torcido” como idea de crecer libre, sin ataduras y a nuestro propio ritmo. Ver la belleza en aquello que se retuerce y se enreda estirando bien las raíces y abrazando nuestras rarezas.

Para este florilegio, lo que buscamos son las flores más dispares, de pistilos caídos, que se rebelan contra los ramos y las macetas. Flores de “zanja y cuneta”* que resisten, se expanden y vuelven a crecer cuando (y donde) menos se las espera, dejando tras de sí un jardín desordenado y voluptuoso. *Del cancionero La rebelión de los Ramos, escrito por Juan de Salas.

A través del dibujo, la proyección y el disfraz realizaremos expediciones botánicas imposibles, encarnaremos a encantadores sátiros, brujas o caracoles gigantes, invertiremos roles para, finalmente, habitar este mundo del revés, este hogar creado por quienes lo imaginan y lo habitan.

Durante el taller iremos desarrollando un proyecto común que irá tomando forma sesión tras sesión hasta convertirse en una creación colectiva.

La propuesta combinará encuentros con la artista Blanca Gracia y momentos de trabajo en el aula del museo, que estará disponible para aquellas familias que deseen continuar explorando sus ideas y avanzando en sus piezas de manera autónoma entre una sesión y otra.

SESIONES

• 10 de octubre
• 14 de noviembre
• 12 de diciembre

Este programa está pensado como un recorrido compartido, por eso daremos prioridad de plaza a aquellas familias que puedan acompañarnos en todas las sesiones. Si se liberan plazas conforme avanza la actividad contactaremos a través de la lista de espera con las personas que puedan seguir interesadas en unirse.

NOTA:  si en vuestra familia hay niños más pequeños o incluso bebés, serán bienvenidos. Nos gusta que este sea un espacio donde las familias puedan encontrarse y crear juntas. La propuesta gira en torno a un proceso de creación con materiales, dibujo, papel, recortes y otras actividades manuales. Cada participante podrá involucrarse a su manera.

BLANCA GRACIA  (Madrid, 1989) desarrolla una práctica artística que se despliega entre el dibujo, el vídeo, la instalación y la escenografía. Interesada por los mitos, las narraciones populares y los imaginarios compartidos, construye espacios donde se cruzan la ficción, la memoria y la experiencia colectiva.

Su trabajo se expande a través de colaboraciones con artistas de diferentes disciplinas, generando proyectos abiertos al encuentro, la experimentación y la creación conjunta. Actualmente se puede visitar su instalación Antidotum tarantulae en la tercera planta del Museo CA2M.

Posa la mano lo más suavemente que puedas encima del papel y elige el punto desde donde va a empezar tu dibujo. Deja rozar el lápiz apenas, y antes de continuar, deja el tiempo que sigue como un vacío en la hoja. Ve hacia la derecha, avanza, ahora ve hacia arriba y sombrea el papel con ternura… con mucho amor… deja que la mancha vaya haciéndose profunda, muy profunda… en forma de ola… como el mar... en espuma. Ahora haz un círculo alrededor muuuy lentamente… aún más lento, casi no se mueve, se para, se queda. Arranca de nuevo recorriendo el papel en discontinuo, ahora sí, ahora no, ahora sí, no, sí, no sé, lo que quieras tú, venga vamos, todas a la vez, ¡ahora! 

Esta visita-taller propone a los grupos recorrer la exposición El listado, de Nadia Barkate y Fátima Moreno, llevando el dibujo del afuera al interior, desde el control a lo que salga, entrando en su tiempo, en su movimiento, dejarnos  llevar hasta donde le dé la gana. Desde la observación, la conversación y la experimentación colectiva, nos acercaremos a las obras para preguntarnos por aquello que cuentan, pero también por todo lo que se escapa de lo que aparentemente quieren decir. Exploraremos el dibujo como gesto y como pensamiento en movimiento, como escritura, como huella, como acción compartida y como posibilidad de encuentro. Porque, a veces, un dibujo no es algo que hacemos, a veces es algo que sucede.

Para pensar esta propuesta hemos invitado a la artista Eva Garrido para abrir con ella espacios donde la imaginación, la escucha y la experiencia colectiva se conviertan en herramientas para mirar de otro modo. Valiéndonos del dibujo, la performance, la escritura y el cuerpo, vamos a explorar procesos de creación compartida en los que lo importante no es únicamente el resultado, sino dejar que pase todo aquello que acontece mientras hacemos colectivamente.

Creemos que este taller será una aventura preciosa para quienes nos visiten. Un espacio para imaginar, para dejarnos sorprender y seguir creando. Os esperamos.

Eva Garrido del Saz. Por un lado, desarrolla proyectos colectivos entre el arte y la educación que buscan, desde la práctica artística, otras formas de hacer y vivenciar las cosas. Acercando el cuerpo y la acción a diferentes situaciones, lenguajes y materiales, se propone convocar las preguntas que puedan conducirnos hacia otras formas de ser y estar más amables. De otro lado, al no poder seguirle el ritmo a los tiempos. prefiere prestar atención a lo que pasa alrededor de su casa dibujando, escribiendo y caminando con sus perras.

A 20 de junio del 2026 en Móstoles, queda constituido el Real Ballet del Museo CA2M. Integrado por unos 27 cuerpos danzantes, de edades, cuerpos y condiciones de salud sin clasificar, con sede en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, teniendo la danza como lenguaje primordial, pero en absoluto excluyente y haciendo del mundo, las personas y los espacios, escenarios con los que ensalzar los encuentros, los cruces y los contagios.

Tomamos nota de su trayectoria y advertimos de su continuidad con la esperanza de seguir ampliando horizontes del aquí, despertares sorprendentes y formas de bailar colectivas que revolucionan lo real.

Si tienes más de 16 años y ganas de formar parte de una comunidad que se encuentra en torno a las prácticas de la danza y la performatividad; con la mente abierta en relación con lo que puede, o puede no ser, la danza y el bailar; con el deseo de experimentar e investigar la riqueza del movimiento, bien sea en la calle o en un escenario, y  no temas mostrarte explorando cosas nuevas que no controlas del todo… ¡El Real Ballet del Museo CA2M es tu compañía de danza!

NOTA: Para este curso 2026-2027, el Real Ballet del Museo CA2M cuenta con 10 plazas libres. Puedes solicitar una plaza entre el 21 de septiembre y el 4 de octubre, tanto online como presencialmente en el museo. Una vez cerrado el plazo de inscripción, las plazas se asignarán mediante sorteo entre las personas inscritas. El sorteo se realizará el 5 de octubre y el 6 de octubre comunicaremos el resultado a las personas participantes.

Oihana Altube, bailarina y artista, se sitúa en los márgenes de la Danza, las Artes Vivas y las prácticas psico-físicas (terapéuticas). Su trabajo aborda el bailar como potencia para la transformación vital y social, y hace uso de la danza académica.

Javier Vaquero es coreógrafa, gestora cultural y docente con una trayectoria internacional en danza contemporánea y creación transdisciplinar. Su trabajo explora el cuerpo como lugar de conocimiento, resonancia y relato, investigando las relaciones entre movimiento, lenguaje e identidad desde una perspectiva queer y situada.

FECHAS

• 24 de octubre 
• 7 y 21 de noviembre
• 12 y 19 de diciembre
• 16 y 30 de enero
• 13 y 27 de febrero
• 13 de marzo
• 3, 10 y 24 de abril
• 8, 22 y 29 de mayo
• 12 de junio    

Estos son algunos de los rastros que han quedado del proceso de constitución del Real Ballet del Museo CA2M a lo largo de los meses que van entre enero a junio 2026:

Real: cuerpazos de baile: vidas reales

El Museo como casa: un museo “pista de baile” y su comunidad de vecinas

Comunidad de “grupo”, 

no comunidad de comunidad autónoma

En las pausas: mandarinas y galletas príncipe. Un cigarrillo

En las prácticas: ¡cuidado con el hámster!

Escoge a una persona y síguela 

¿pero que esté viva o muerta?

• La fisicalidad del otro / abrirse a otros cuerpos.
• El asombro.
• Las presentaciones ayudan.
• Bailar entre ellas: joven / mayor.
• Conexión, tacto.
• No hay cansancio.
• Es desconocido ¿Qué queréis de nosotras?
• ¿Hasta dónde vamos a llegar?
• Personas juntas pero diversas.
• Percibir la abertura. Que el cuerpo se expanda.
• Conocer gente nueva.
• Estar conmigo y estar con otros.

Mi piel

La piel de las cosas

El espacio entre las pieles

El espacio es piel

¿Cómo es ver desde las manos?

viento / algas / mono / alegría / rojo / Dorothy Iannone

¿Cómo se convierte tu cuerpo en la obra?

historia / poderío / púbico / misterio / identidad / juego / estrellas / brilli-brilli / independencia / 

fortaleza / vulvas / placer / colorido / misterio / fraternidad / rompedora / libertad / emoción /

sentado / erotismo / curiosidad / imaginación / fuerza / cooperativismo / camastro / vivos / pasado

Un jueves por la tarde al mes nos reunimos alrededor de una fascinación compartida: la imagen en movimiento. A veces la excusa es coger una cámara. Otras veces es hablar de la última película que hemos visto o de aquella escena que reaparece de pronto porque alguien ha dicho algo que la trae de vuelta. Entre conversaciones, visionados y notas apresuradas en una libreta, vamos recogiendo ideas, preguntas y hallazgos que nos parecen demasiado importantes como para dejarlos pasar. Algunas encuentran su forma enseguida; otras necesitan más tiempo y reaparecen cuando menos lo esperamos.

Este grupo es un lugar para pensar colectivamente sobre cine y educación. Compartimos referencias, hacemos propuestas y ponemos a prueba intuiciones. A menudo traemos ideas que queremos experimentar en nuestras aulas o proyectos educativos, buscando un espacio donde ensayarlas antes de llevarlas a cabo. También encontramos el tiempo para producir nuestras propias piezas audiovisuales, algo que no siempre resulta fácil entre clases, reuniones y evaluaciones.  

Porque a veces necesitamos parar, mirar y volver a aquello que nos sigue despertando curiosidad: las imágenes y las historias. En el grupo, las ideas circulan entre conversaciones, películas, lecturas y experiencias compartidas. Como en el cine, trabajamos con tiempos diversos: algunas propuestas toman forma enseguida y otras necesitan esperar, madurar y encontrar el momento adecuado para reaparecer. A lo largo del curso invitaremos a artistas y cineastas a compartir sus procesos de trabajo, conocer otras formas de hacer y abrir nuevas conversaciones.

Puedes incorporarte al grupo en cualquier momento del curso. Rellena el formulario y te informaremos de los próximos encuentros. Si te interesa el cine, la creación audiovisual o las posibilidades educativas de la imagen en movimiento este es tu sitio.

SESIONES

• 17 de septiembre
• 8 de octubre. Encuentro con Marta Azparren. La estrategia de la ceguera *
• 12 de noviembre
• 10 de diciembre

Encuentro con Marta Azparren. La estrategia de la ceguera.

¿Cómo describirías el color azul a una persona que nunca ha visto?

A partir de esta pregunta, La estrategia de la ceguera propone un desplazamiento: suspender la mirada para explorar otras formas de percepción, explorar lo visible desde su ausencia. A partir de las reflexiones del ensayo Cine ciego sobre monocromos y películas sin imagen, la propuesta es teñir el espacio sin pintura ni luz: un color solo posible a través del cuerpo, la palabra, la memoria. Una invitación a ver desde la oscuridad en un viaje de ida y vuelta hacia las imágenes.

Marta Azparren. Artista visual no-visual. Se mueve entre el cine experimental/expandido, las artes vivas y el dibujo. Su mirada se dirige además hacia lo no visual en lo visual, lo que tiende a desaparecer. Ha publicado recientemente el ensayo «Cine ciego. Detener el flujo de las imágenes» sobre el cine monocromo y las imágenes sin imagen.

En este taller nos acercaremos al tarot como herramienta creativa, simbólica y profundamente personal. Primero exploraremos arquetipos, memoria y autobiografía. Después, a través del dibujo, daremos forma a una carta única que te represente: la tuya.

Cada participante creará su propia carta de Tarot, desarrollando sus símbolos, significados y narrativas. No se trata de aprender un sistema cerrado, sino de abrir un espacio donde lo intuitivo y lo personal guíen el proceso.

Durante el taller revisaremos ejemplos de tarots influyentes como el (Ta)Rot Pack de Dorothy Iannone, utilizando como brújula el Tarot de Luz de Aitor Saraiba para entender el Tarot como un lenguaje vivo que puede reinterpretarse desde la experiencia individual.

No es necesario saber dibujar. El enfoque es libre, accesible y centrado en el proceso más que en el resultado.

Este taller es también un primer paso para quienes deseen iniciar el camino de crear su propia baraja completa de Tarot, comenzando por una carta que funcione como punto de partida y semilla de un universo simbólico propio.

Aitor Saraiba es un artista multidisciplinar cuya práctica gira en torno al dibujo como herramienta principal de exploración. A través de él, expande su lenguaje hacia distintos formatos que abarcan desde la cerámica hasta el arte textil, construyendo un universo propio donde lo manual y lo simbólico dialogan constantemente.

Su trabajo nace de una búsqueda por conectar con lo invisible, por dar forma a aquello que no siempre puede nombrarse. En este proceso, el dibujo se convierte en un canal íntimo y espiritual. Fruto de esta investigación, en 2021 creó el Tarot de Luz, una obra que ha superado las 30.000 copias vendidas en todo el mundo y ha sido traducida a varios idiomas, consolidándose como una de sus piezas más influyentes.

La obra de Saraiba se sitúa deliberadamente en los márgenes de la institución artística. Su interés se orienta hacia lo artesanal, lo ancestral y lo intuitivo, encontrando afinidad en el arte outsider, el arte popular y las herramientas místicas. Desde ese lugar, construye un lenguaje honesto y personal que reivindica la emoción, la imperfección y la conexión espiritual como formas de conocimiento.