Este programa se desarrolla en paralelo a la muestra Colección XIX: Performance y propone una articulación de presencias a modo de conversación propositiva, de ensayo y estudio. A través de una serie de piezas y encuentros se tratará de convocar texturas, sensibilidades, tonos e intensidades en ese hacerse con otros que ofrece la presencia.
Un programa comisariado por Andrea Rodrigo.
Entre los implicados se encuentran: Anne Juren; Blanca Antonia, Anh Vo y Yaby; Cuqui Jerez; Galerie; María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca; Néstor García Díaz; SERAFINE1369; Twins Experiment.
19 de noviembre
Sala de usos infinitos, 18:00
Aforo: 32 personas
CUQUI JEREZ, Unos Pasodobles
Seguido de conversación entre Cuqui Jerez, Óscar Bueno y Andrea Rodrigo.
En esta pieza, Cuqui Jerez recoge una serie de acciones escritas para pasodobles. Está basada en los conceptos del suspense, la contemplación, la especulación y lo efímero. La coreografía se crea en el espacio por el peso, textura, color y forma de los objetos en movimiento: colocándolos, moviéndolos, empujándolos, tirando de ellos, dejándolos caer y elevándolos. Paisajes mínimos en movimiento que proponen al espectador un estado de contemplación donde se ponen en juego la hiperatención, la expectación y el suspense.
Unos Pasodobles forma parte del proceso de investigación de largo recorrido The Dream Project (2013/2016), a raíz del cual aflora en el trabajo de Jerez una fascinación por la materialidad de las cosas: comienza a prestar una especial atención a cómo se comporta la materia cuando es activada por un cuerpo y sus cualidades se ven alteradas: su peso, su textura o su manera de caer y de arrastrarse. A través de piezas como Crocodiles and Alligators (2012), Unos Pasodobles (2013) —que presentamos en este programa—, El lago (2015) y El Fenómeno de las Fuerzas Ficticias (2016), entre otras, su práctica adquiere un carácter más contemplativo, dirigido a la búsqueda de una percepción no conceptualizada, explorando dramaturgias abiertas y considerando cada vez más la dimensión plástica de la experiencia.
En la actualidad, Jerez continúa desarrollando proyectos centrados en los estados de atención que derivan de la observación de acciones y fenómenos cargados de sutilezas.
Cuqui Jerez es artista, coreógrafa y performer. Después de trabajar como bailarina e intérprete con diversos coreógrafos en Europa en los años noventa, comenzó a desarrollar su práctica coreográfica en 2001. Desde entonces ha creado piezas de diferentes naturalezas que se han presentado en numerosos festivales, teatros y museos en Europa, EE. UU. y Latinoamérica. Su principal actividad es la creación pero también participa en varios proyectos de investigación, curatoriales, de docencia y publicaciones.
Ficha
- Unos Pasodobles (2013)
- Duración: 45 min
- Concepto e intérprete: Cuqui Jerez
- Asistente: Óscar Bueno
- Pieza coproducida por Theaterfestival SPIELART (Múnich), Kaserne (Basel), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), Stromereien 2014 (Zúrich), Movimiento Sur (Chile), Festival of Regions (Austria) y Mercat de les Flors (Barcelona); y con el apoyo de Teatro Pradillo (Madrid), CA2M (Móstoles), Casa de la Cultura de la UAEMÉX en Tlalpan (Ciudad México), Teatro Línea de Sombra (Ciudad de México) y El Graner (Barcelona).
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26 de noviembre
Varios espacios (Sala de exposiciones y Sala de usos infinitos), 18:00
Aforo: 30 personas
Twins Experiment, Néstor García Díaz, SERAFINE1369
TWINS EXPERIMENT, Conversación: habitación o morada 18:00
Ainhoa y Laura desarrollan una práctica física que atraviesa los conceptos de conversación, encuentro y campo de juego para poner sus cuerpos en relación. Esta práctica pone el acento en algo más que la expresión certera de los deseos para que siempre confluyan. Se conforma como una estructura afectiva de apoyo para el cuerpo, los sentidos, las ideas y las necesidades, que ofrece una escucha para llegar a acuerdos, pero también sostener los desacuerdos.
Laura y Ainhoa muestran cómo para ser cómplices tenemos que entrenarnos en la práctica, insistir, formular rituales, tocar, desplazar, usar materiales afectados, situados, posicionados, practicados y vividos.
Conversación: habitación o morada se presentó en octubre de 2016 en los IN_prescindibles de La Poderosa de Barcelona, después ha pasado por el Festival Living Room y el Spring Movement del Center for Performance Research de Nueva York.
En el marco del programa Lo que ya se intuye vuelven sobre materiales de hace cuatro años a una escena entendida como lugar de contacto, como tablero de juego donde las posiciones se negocian en el encuentro. Presentan de nuevo su pieza con un cuerpo que ya no es el mismo, pues ha bebido de su implicación en otras prácticas y procesos, haciendo un ejercicio de confianza entre ellas y en los materiales ya construidos.
Twins Experiment son Ainhoa Hernández Escudero y Laura Ramírez Ashbaugh, un colectivo
coreográfico cuya práctica parte de la amistad para ensayar formatos y estrategias cuidadosas de una horizontalidad deseable, en las que relacionarse e indagar en lo que supone vivir-con-otrxs.
Como dúo artístico profundizan en la práctica de la amistad entendida como compromiso y corresponsabilidad, como estructura de apoyo y cuidado, como confianza y pérdida de control, lo que permite tomar riesgos que quizás en solitario no serían asumibles. Su exploración surge de muchas horas, días y meses de unión entrelazada, de complicidad, escucha, telepatía y negociación. En sus piezas, el juego y las referencias compartidas activan formas de estar y trabajar juntas.
Además de la creación de piezas escénicas, desarrollan laboratorios y un club de lectura, lugares en los que generan condiciones para el hacer colectivo, experimental y horizontal.
Su práctica ha podido verse en diferentes contextos como Center for the Performance of Research (Nueva York); Arqueologías del Futuro (Buenos Aires); Museo del Chopo (Ciudad de México); Zeitraumexit (Mannheim); festival inTACTO (Vitoria); La Poderosa, Antic Teatre y La Caldera (Barcelona); La Casa Encendida, Matadero, Conde Duque, Teatros del Canal y Festival Living Room (Madrid), y CA2M (Móstoles).
Créditos
- Conversación: habitación o morada (2017)
- Duración: 45 min
- Concepto e intérpretes: Twins Experiment (Laura Ramírez Ashbaugh y Ainhoa Hernández Escudero)
- Con el apoyo de: Ayuda para la creación coreográfica de la Comunidad de Madrid (2016), Centro Coreográfico Canal (Madrid), Premio INJUVE a Jóvenes creadores (2016) y Programa PICE AC para la Internacionalización de la Cultura Española (2017)
- Agradecimientos: Proyecto I+D «Teatralidades expandidas», Eleonora Fabião, María Jerez y Living Room 2017
NÉSTOR GARCÍA DÍAZ, Past Continuous Present 19:00
«Escoge seis movimientos y ponlos en el orden correcto». Esta es la idea de composición coreográfica que Merce Cunningham propuso a sus estudiantes en un taller que impartió en el Festival Internacional de Edimburgo en 1979.
Esta premisa, basada en la elección de elementos y la creación de un supuesto orden acertado para ellos, no dista de la idea tradicional asociada al comisariado o a la exposición como dispositivo de exhibición que compone su sentido mediante la disposición física de elementos en el espacio. Es a partir de esta disposición que afloran relaciones, que se contaminan y despiertan nuevas capas semánticas y experienciales.
Past Continuous Present se plantea como una exposición somática, que se vale de un cuerpo como dispositivo de exhibición. Distintas imágenes de archivo se superponen y se transforman en/con este cuerpo mientras una voz elabora un marco especulativo para ellas. En esta ocasión, Néstor García Díaz incorpora materiales de la exposición Colección XIX: performance, fijando así un diálogo con el contexto en el que este programa se presenta.
Esta pieza es también un intento de historizar el cuerpo, de dotarlo de una textura cambiante, densa, en la que la musculatura, los gestos, la voz y los movimientos recogen la carga afectiva de todas aquellas presencias que estas imágenes convocan. Pasado-continuo-presente. De este modo, el cuerpo deviene archivo, compuesto por adherencias, aprendizajes, hábitos, recuerdos, referencias y estímulos que, como en una exposición, adquieren presencia y se ponen en juego con su cadencia y disposición para ofrecer nuevas posibilidades de sentido.
Néstor García Díaz es artista y comisario independiente. Estudió teatro en el Institut del Teatre de Barcelona y coreografía en P.A.R.T.S., en Bruselas. Tras su graduación produjo algunas piezas escénicas que fueron presentadas en festivales internacionales como el Tanz im August (Berlín), el Batârd Festival (Bruselas) o el Zürcher Theater Spektakel (Zúrich), y participó en proyectos de otrxs coreógrafxs como Xavier
Le Roy, Noe Soulier, Michiel Vandevelde o Malika Djardi.
Desde el 2012 su producción se ha centrado en las artes visuales, influido por sus colaboraciones con los artistas Tino Sehgal y Dora García, con quienes ha trabajado en varias exposiciones en contextos como la dOCUMENTA (13) (Kassel), Stedelijk Museum (Ámsterdam), Fondation Beyeler (Basilea) o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), entre otros.
Su práctica gira en torno a dos ejes. Uno orientado al objeto, donde trabaja a partir de conceptos como coreografía social y vitalismo materialista, poniendo el énfasis en los modos en los que la ideología y la cultura material han influenciado nuestras coreografías del día a día, sirviendo como patrones para la organización social. Su otra línea explora una noción expandida de lo curatorial, considerando los cuerpos y la historia oral como posibles plataformas para la exposición y la conservación de obras de arte, y cuestionando el evento expositivo en cuanto a entidad material y atemporal.
En la actualidad, combina su producción artística con trabajos como asesor y comisario del programa de performance Posar el Cos, en el IVAM (Valencia), y la codirección de Pols, un espacio de arte independiente abierto recientemente en Valencia, junto a Carles Angel Sauri y Paula García Masedo.
Créditos
- Past Continuous Present (2018)
- Concepto e intérprete: Néstor García Díaz
SERAFINE1369, I Have Become A Prayer 20:00
Esta es una danza remota, una danza de lo remoto. Un deseo de presencia y una aceptación de la ausencia. Un ejercicio cargado de intencionalidad y de estrategias para acoger diferentes formas de presencia y reivindicar así el reconocimiento de otras señales, otros signos, otros modos de comunicación que dan voz a todo aquello y todxs aquellxs que han sido arrojadxs al exilio. I Have Become A Prayer persigue la apertura, también de los cuerpos que presencian este trabajo y a los que se invita a convertirse, ellos mismos, en recipientes. Las cosas no desaparecen realmente jamás. Esta pieza es fantasmal.
I Have Become A Prayer se nutre de experiencias de disociación, también de un trabajo de supervivencia. A través de la práctica de leer las señales corporales, los símbolos que nos llegan desde los sueños, la danza, la poesía y los estados de trance —nuestro potencial oracular—, SERAFINE1369 busca dar con un mecanismo que la sostenga, la retenga, cuando se pierde a sí misma al sumergirse, al enraizarse, en capas de un conocimiento muy profundo, cuando tantas repeticiones acaban por dibujar surcos en su interior. Un mecanismo que informe a quien la contempla de que se ha ido o necesita irse. Una forma de comunicar y forjar una comunión entre lxs presentes.
SERAFINE1369 (antes Last Yearz Interesting Negro) es Jamila Johnson-Small, artista y bailarina radicada en Londres. SERAFINE1369 aborda la danza como una tarea filosófica y un proyecto político que es a su vez una tecnología íntima con ramificaciones psico-espirituales y éticas para estar-en-el-mundo.
Su trabajo parte de la investigación del movimiento y la concepción de la danza como herramienta adivinatoria con la que descodificar mensajes a partir de un cuerpo oracular —a nivel personal/estructural/sintomático/somático/psíquico—, con lo metabólico siempre en mente: el impacto y el intercambio a través del movimiento, dentro del movimiento y como movimiento. Sus representaciones son, al mismo tiempo, escenario, espacio onírico y campo de batalla; descomposiciones, paisajes atmosféricos creados mediante el despliegue en vivo de las tensiones entre elementos generadores de significado.
Su práctica es relacional, acumulativa y a menudo colaborativa. En ella compila y transmite información trabajando en diversas constelaciones, a distintas escalas y con diferentes roles para construir espacios de comunalidad, sintonización y comunicación a través de la danza, la performance, la escucha y la conversación. Espacios susceptibles de contener lo complejo, lo múltiple y lo contradictorio, espacios que se plantean la inevitabilidad del movimiento y la transformación, operando para convertirse en perturbadoras situaciones de no dominación.
Créditos
- I Have Become A Prayer (2020)
- Concepto, vídeo y texto: SERAFINE1369
- Música original: Josh Anio Grigg
Esta pieza se presentó por primera vez en septiembre de 2020 en el marco del festival My Wild Flag comisariado por Karina Sarkissova y Pontus Pettersson en MDT, Estocolmo
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3 de diciembre
Anne Juren a través de Paz Rojo; Anh Vo y Blanca Antonia; María Salgado y Fran MM Cabeza de VacaVarios espacios
Sala de exposiciones y sala de usos infinitos.
Aforo: 25 personas
18:00
ANNE JUREN a través de PAZ ROJO, Fantasmical Anatomy Lesson: The Skin – Desire for a Containing Shell
En sus Fantasmical Anatomy Lessons, Anne Juren moviliza la imaginación en torno al cuerpo y sus límites proponiendo un paisaje textual en el que la coreografía se sitúa dentro del cuerpo de lxs participantes.
Una voz invita a los/as espectadores a viajar por las partes internas y desconocidas de sus cuerpos en una suerte de investigación visceral. Las piezas proponen una lectura que deshace lo que se entiende comúnmente por cuerpo y dónde están sus límites, y estudia cómo la fantasía y los fantasmas –convocados como activadores experienciales individuales y colectivos del goce, la imaginación y el deseo– pueden desestabilizar la lógica propuesta por las disciplinas anatómicas, dando lugar a relaciones y sensaciones inesperadas.
Durante este viaje al interior de sus propios cuerpos, los/as participantes se ven inmersxs en diferentes estados que proponen experiencias sensoriales, kinestésicas, mentales, caníbales y cósmicas a través de la voz, la audición, la escritura, la encarnación sensorial, las prácticas corporales y la danza.
De este modo, componen gradualmente un paisaje fantasmagórico y delirante donde pueden tener lugar relaciones y acciones improbables, que alteran los vínculos y límites entre las sensaciones internas y externas. Un ejercicio de desarticulación, de transformación del cuerpo propio en el que mediante una serie de enredos y nudos perceptivos pueden darse otras agencias, otras formulaciones y conexiones posibles para aprehender y percibir el cuerpo no como realidad unitaria o aislada sino puesta en relación con sus distintos procesos, texturas, ritmos..., y con aquello que le rodea.
Cada lección de estas Fantasmical Anatomy Lessons está dedicada a una parte del cuerpo diferente, en este caso, The Skin – Desire for a Containing Shell centra en la piel para estudiar sus posibles declinaciones semánticas, simbólicas, materiales. La piel es tomada como una entidad en sí misma, un punto de partida que es a un mismo tiempo límite y abertura del cuerpo, espacio de contacto e inscripción.
En el marco del programa Lo que ya se intuye, la coreógrafa y bailarina Paz Rojo realiza la transmisión de esta lección poniendo cuerpo y voz a las palabras de Anne Juren. El deseo de realizar esta transmisión se sostiene en el conocimiento profundo, desde la práctica, del trabajo de Anne por parte de Paz, así como en un ejercicio mutuo de confianza y compromiso.
Anne Juren es una coreógrafa, bailarina y performer nacida en Grenoble y radicada en Viena. En 2003, cofundó junto con el artista visual Roland Rauschmeier la asociación Wiener Tanz- und Kunstbewegung en Viena. Sus obras coreográficas e investigaciones artísticas se han presentado en teatros internacionales, festivales y diferentes espacios de arte contemporáneo. En su trabajo, Juren trata de ampliar la noción de coreografía al experimentar con la sensualidad y las sensaciones kinestésicas, al involucrar al cuerpo en diferentes estados físicos, sensoriales y mentales, cuestionando los límites entre las esferas privada y pública. Desde 2013 es practicante del método de aprendizaje somático Feldenkrais® y en la actualidad escribe su tesis doctoral en la Universidad de las Artes de Estocolmo, Suecia.
Paz Rojo es coreógrafa y bailarina. Su trabajo está atravesado por preguntas en torno a lo que la danza hace y el marco afectivo, político y estético de la coreografía y sus relaciones con las fuerzas e impulsos del sistema capitalista. Las prácticas, herramientas y conceptos que vertebran su investigación se despliegan en formatos diversos: creaciones escénicas, encuentros, contextos de investigación y comisariados, experimentos coreográficos colectivos, vídeo-ensayos y el libro To Dance in the Age of No-Future. Recientemente, se ha doctorado por la Universidad de las Artes de Estocolmo (Suecia), con la tesis de investigación artística The decline of choreography and its movement: a body’s (path)way.
Créditos
- The Skin – Desire for a Containing Shell es parte de la investigación Fantasmical Anatomy Lessons (2015-)
- Coreografía: Anne Juren
Intérprete: Paz Rojo
Concebida en el marco del Institut für Auslandsbeziehungen e. V. (ifa)-Galerie Berlin, en Berlín
19:00
ANH VO y BLANCA ANTONIA, Drunken Butterfly
I'm in heaven
With my boyfriend, my laughing boyfriend (oh)
There's no beginning and there is no end (so deep, baby, just a sweet)
Feels like I'm dreaming, but I'm not sleeping (fantasy)
—Tom Tom Club/Mariah Carey
Drunken Butterfly ha sido pensada por Blanca Antonia y Anh Vo, con la complicidad y colaboración de Yaby e Isaac Silber para el contexto de este programa. No es sencillo fijarla en palabras, pues opera en el espacio de la intuición y la prearticulación, entendida como el momento en el que casi se puede captar el gesto o la idea, pero en el que aún nada ha tomado una forma concreta o definitiva. Por eso, tal vez, resulta más preciso aludir y convocar algunos de los materiales que la han informado, como la letra de la canción con la que abrimos este texto.
Desde este lugar de prearticulación, desde donde también se ha formulado Lo que ya se intuye, las prácticas y formas de Drunken Butterfly movilizan la imaginación y el deseo en el encuentro con otros cuerpos, materiales y experiencias.
Anh Vo es un coreógrafo, bailarin, teórico y activista vietnamita. Crea danzas y produce textos sobre pornografía y relaciones queer, sobre la esencia y la forma, sobre la identidad y la abstracción, sobre la historia y su realidad colonial. Blanca Antonia es doctoranda en el departamento de Estudios de Performance de la Universidad de Nueva York (NYU). Beatriz Ortega Botas y Alberto Vallejo son comisarios de Yaby y editorxs de _AH. Isaac Silber es un artista y diseñador de sonido multiinstrumentista, cuya investigación se centra en las intersecciones del pensamiento negro radical y la producción y performance de música electrónica underground experimental.
Créditos
- Drunken Butterfly (2020)
- Duración: 50 min
- Coreografía: Anh Vo y Blanca Antonia
- Intérprete: Blanca Antonia
- Escenografía: Yaby
- Diseño de sonido: Isaac Silber
- Música original: Khanh Ly, Hong Nhung, Mariah Carey, Tom Tom Club, Avatar: La Leyenda de Aang, Dai Lam Linh, Kaoma
20:00
MARÍA SALGADO y FRAN MM CABEZA DE VACA, Antes de que desaparezca nuestro mundo, escribámoslo.
Antes de que desaparezca nuestro mundo, escribámoslo es una performance que hace de una historia antigua una historia nueva tan solo desplazando unos milímetros el sonido y significado de unas muy pocas palabras, de modo que, por un lado, se vuelvan más genéricas y abiertas y, por otro, sirvan para transferir la experiencia de un desborde cuyo origen y alcance se desconoce. Sobre la voz y lengua grabadas de una mujer mayor que narra su vivencia infantil de una de las mayores tormentas del siglo XX en España tal que un fin del mundo, se construyen voz, lengua y escucha para otro acontecimiento de cambio de mundo: el sucedido en torno a 2011 en infinidad de plazas.
Antes de que desaparezca nuestro mundo, escribámoslo era parte y corazón de la obra escénica titulada con una de sus frases, Hacía un ruido, con la que María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca giramos por espacios autogestionados, teatros y salas de conciertos entre mayo de 2014 y mayo de 2016, cuando dejamos de hacerla en España (no así en otros países) por sentir que el contexto le empezaba a adherir una nostalgia que corría el peligro de despolitizarla. Cuatro años después, en un contexto tan reaccionario y distópico como el que estamos viviendo, fuimos a escuchar el audio de la performance (grabado en la otra cara del vinilo que contiene la voz de la mujer mayor expuesto en CA2M) en el marco de una exposición en la que también están Untitled (Body tracks) de Ana Mendieta, El ministerio de sanidad tiene las manos manchadas de sangre de la Radical Gai y LSD, o El nido de Pepe Espaliú, y nos pareció que la pieza ya no se impregna de nostalgia sino que su parte más abstracta se ha vuelto abrir y a decir cosas que nos gustaría de nuevo compartir en vivo.
María Salgado (1984) y Fran MM Cabeza de Vaca (1976) trabajan juntos en Madrid desde el año 2012, a partir de una idea de audiotexto como intersección entre la poesía, el lenguaje, el arte sonoro, la música y la performance. María es poeta, performer, docente e investigadora independiente. Fran es compositor, artista sonoro y profesor de música. Juntxs han desarrollado una cantidad significativa de trabajo a través de dos zonas de investigación (Hacía un ruido (2012-2016) y Jinete Último Reino (2017-)), que les ha llevado a mostrar su trabajo en contextos diversos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, CDN Teatro Valle Inclán y Espacio Naranjo (Madrid); Württembergischer Kunstverein (WKV, Stuttgart); El Arsenal (Córdoba) o 16 Beaver (Nueva York).
Hacía un ruido enfocó el ciclo de desobediencia política de las revueltas de 2011 y dio lugar a autoediciones de posters y panfletos, un libro publicado por la editorial Contrabando, un álbum lanzado por el sello Ruido Sisterhood, una pieza instrumental para el ensemble Vertixe Sonora, una instalación sonora de dos meses de duración en la Sala de Arte Joven de Madrid, y un recital híbrido que giró por salas y naves en Madrid, Barcelona, Córdoba, Sevilla y Nueva York. Jinete Último Reino (2017-), que trabaja alrededor del deseo, la represión normativa, la rebeldía subjetiva y la alegría compartida por las subculturas de la noche, tiene su origen en una pieza instrumental para oboe y dispositivo electrónico interpretada en el año 2013 por el Smash Ensemble y publicada como partitura en la colección Present Tense Pamphlets de la Northwestern University, y hasta el momento ha dado en un audio para la Radio del Reina Sofía (Negro (RSRJ RJRS)) y un audiovideo (Nana de esta pequeña era, pieza audiovisual-textual), además de en dos obras escénicas: Fragmento 3 y Fragmento 2, que han sido estrenadas en Matadero (Madrid, 2017) y el MACBA (Barcelona, 2019) respectivamente. Actualmente se encuentran produciendo el Fragmento 1, que, una vez terminado, se unirá con los otros dos para convertirse en una única pieza escénica.
Créditos
- Antes de que desaparezca nuestro mundo, escribámoslo
- Duración: 26 min
- Creación e interpretación: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca
- Gráfica: ANFIVBIA (Rubén García-Castro y María Salgado)
- Vídeo: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca
- Producción: Lorenzo García-Andrade
- Grabación y edición de audio del vinilo: Kamen Nedev / Acoustic Mirror
- Voz del vinilo: Celia Pérez Estévez
- Sonidos en cinta: José Pérez Estévez, María Salgado, Fran MM Cabeza de Vaca, grabaciones de campo entre Moialde y San Pedro (2015), ruido de la instalación Estábamos venía (2015)
- Agradecemos el cuidado, la apuesta y la mejora que de esta zona de obras llamada Hacía un ruido en su día hicieron tantas personas con las que nos fuimos encontrando: Patricia Esteban, Jara Rocha, Clara Piazuelo, Paco Nevado, Guadalupe Esquinas, Antonio Blázquez, Luis Moreno Caballud, Begoña Santa Cecilia, Jonás Murias, Elia Maqueda, Kamen Nedev, Pepe Olona, Sole Parody, Gabriel Cortiñas, ZEMOS98; Paula Pérez-Rodríguez; Andrés Montes, Casi Baile, Julio Albarrán, María Cabeza de Vaca, Emilio Tomé, Carlos Marquerie, Getsemaní de San Marcos, Óscar Villegas, Roberto Baldinelli, David Benito, Rafael Sánchez-Mateos Paniagua, Rubén García Castro, José Pablo Polo, Mar Villaespesa y Francisco Javier Gómez Martínez
