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La práctica de Raqs Media Collective toma el mundo tal y como es, no como un destino, sino como un punto de partida. Insisten en la "creación" del mundo como una práctica constante, diaria, donde arte y vida se encuentran. ¿Cómo encontrar espacio, crear conocimiento, leer historias y construir un archivo de deseos? A través de un diálogo con las obras, ideas y proyectos en proceso, Raqs emprendió lo que Federico García Lorca llamaba "el bautizo constante de las cosas recién creadas”.

Raqs es un laboratorio de pensamiento crítico que indaga en el presente y propone la estética como punto de partida para una reflexión social y política. El colectivo centró su interés inicial en el cine documental creando películas como 'In The Eye of The Fish' (1997), 'Present Imperfect', 'Future Tense' (1999) y 'Growing Up' (1995), y donde ya se encuentran algunos de los temas que van a caracterizar su obra posterior, como su interés por el tejido urbano, el uso de los nuevos medios por parte tanto del poder como de grupos tradicionalmente marginados y el conocimiento  como vía de emancipación colectiva.

En 2011 Raqs crea el CSDS (Centro de investigación sobre la sociedad en desarrollo), un dispositivo en red que reúne, distribuye, comparte y proyecta ideas, de acuerdo con las teorías y el concepto TAZ (Zona Temporalmente Autónoma) desarrollado por el poeta y activista de las redes informáticas Hakim Bey en los años 90. Actualmente el colectivo realiza instalaciones y performances así como proyectos editoriales, de comisariado y programas educativos desde diferentes prácticas.

Autoplacer, el festival que desde hace 13 años celebra la música y la autoedición en el Museo CA2M, regresa con su edición de 2022 el sábado 24 de septiembre. Como cada año, el colectivo Autoplacer/Sindicalistas trae a Móstoles una selección de grupos de la escena sumergida española en un evento que reivindica la inclusión de las músicas actuales en las instituciones desde hace más de una década, dando visibilidad a los nuevos sonidos y sus procesos de edición, producción y difusión -verdaderamente- independientes.

En esta edición, contaremos con la veteranía punk de Sudor, las melodías "nouvelle" garage de Eterna Joventut, la energía galega de Grande Amore, el afiladísimo dream pop de Sofía, el pop costumbrista de La Media Distancia y la colisión entre el techno y el post-punk de los valencianos Alfa Estilo. Junto a ellos, el debut en Autoplacer del grupo ganador del Concurso de Maquetas Autoplacer 2021, EQX con su propuesta de avant-pop disruptivo.

El Festival Autoplacer 2022 contará también con un espacio dedicado a la música electrónica comisariado por Mosul Mosul en el que varios djs y un live trazan un itinerario musical desde el afrobeat al witch house, pasando por el techno más oscuro o el trance. 

Además de diversos proyectos invitados en el campo de la autoedición musical y editorial.

HORARIOS:

CONCIERTOS EN LA TERRAZA 

• 12:30 MEJORES AMIGAS 
• 13:30 ETERNA JOVENTUT 
• 15:00 DESCANSO COMIDA
• 17:00 GRANDE AMORE
• 18:00 ALFA ESTILO
• 19:00 SOFIA
• 20.00 SUDOR

+ PISTA DE BAILE CON MOSUL MOSUL:

• 15:00 UMBRÍA
• 16:00  EQX (LIVE) Ganadores del Concurso de Maquetas Autoplacer 2021
• 17:00 GOTHIC SANS
• 18:45 ÜVERDRIVER (LIVE)
• 19:30 GARRITA

PROYECTOS INVITADOS

• LA ANDREA
• LA NEGRA
• RAISA ÁLAVA
• CRYSTAL MINE
• LUCHA AUTÓNOMA
• LA INTEGRAL

¡Reserva la fecha: 24 de septiembre, en el Museo CA2M!

Entrada libre hasta completar aforo.

El origen del ciclo: la tensión entre los dos polos que se atraen tanto como se repelen, qué programar y qué quieren ver los demás; dudas imposibles de esquivar ante el hecho de elegir una serie de obras que generen una respuesta determinada. A modo de ampliación de su propio trabajo, el colectivo ‘los hijos’ propuso, a través de un proceso de investigación, la creación de un entorno, un punto de encuentro para el diálogo. El objetivo: seguir haciéndose preguntas sobre el lenguaje audiovisual, sobre su percepción, sobre la figura establecida del programador/experto, sobre la función de la sala/espacio museo, sobre la función del propio artista, etc. Con el fin de cederle ese terreno habitualmente vedado llamado “programar” al propio público y generar un intercambio múltiple de experiencias, el colectivo desapareció parcialmente e invitó a otros tres colectivos de la ciudad de Móstoles a programar con él.

Con cada colectivo se estableció, tomando como punto de partida la cinematografía española, una dinámica de trabajo en torno al diálogo sobre nuestro cine, sobre cómo lo vemos, qué le pedimos y esperamos. Cada grupo determinado, tras un proceso consensuado, eligió una película que consideraron interesante para proyectar de cara a generar debates no sólo con el colectivo ‘los hijos’ sino con el resto de grupos implicados. Cada película elegida por estos colectivos, recibió una “película-respuesta” por parte de ‘los hijos’. El objetivo: que el diálogo vaya más allá del debate oral y que a través de la historia del cine español se propongan conexiones, bien hacia el pasado en busca de una genealogía o bien hacia el presente en busca, quizá, de una correspondencia.

‘Ensayo para orquesta’ supuso un cuestionamiento sobre la distancia entre programador y público. Un ciclo nacido con la intención de crear situaciones que, con ese aire a cineclub y gracias a la suma de fuerzas de todos, sirviera para recuperar -en parte- la naturaleza pública y colectiva de la experiencia cinematográfica.

PROGRAMA

DOMINGO 28 OCT 18:30 H

El extraño viaje, Fernando Fernán Gómez, 1964, 98´

Coloquio con los asistentes

Seleccionada por el grupo de trabajo surgido del encuentro entre la asociación literaria Aminta, la asociación cultural Espacio Fluido y algunos de los asistentes habituales a las sesiones de cine del CA2M, El extraño viaje, es el primer título del ciclo 'Ensayo para orquesta'. Un viaje que, parafraseando otra obra de su autor, Fernando Fernán Gómez, no va a ninguna parte. En el sentido de lugar físico, al menos. En todo caso, se trata de un viaje hacia el encierro, ya sea entre las cuatro paredes de una decadente mansión o un entierro en vida bajo los corsés sociales de una España rural opresiva y huraña. Esperpento, crueldad, misterio y transfiguraciones en una audaz red narrativa trufada, en cada desconchado rincón, del humor negro más hiriente.

DOMINGO 4 NOV 18:30 H

Diamond flash, Carlos Vermut, 2011, 130´

Coloquio con los asistentes con la presencia de Carlos Vermut

Casi cincuenta años después, Carlos Vermut consigue con su ópera prima poner de nuevo en relieve el extraño mundo de las relaciones humanas. Nada es lo que parece. O sí. Es exactamente lo que parece. Ambigüedad y, como en el film de Fernando Fernán Gómez, transfiguraciones. De identidades, de relaciones y, en definitiva, de realidades. A través de un punto de vista narrativo que coloca al espectador siempre por detrás de la trama, Diamond Flash logra generar esa extrañeza y esa confusión propia de la dificultad de aprehender los matices lo que se esconden tras los acontecimientos vitales. Mezclando también géneros y tonos aparentemente incompatibles, Diamond Flash actualiza una manera de ver a esa España costumbrista y tenebrosa.

DOMINGO 11 NOV 18:30 H

¿Quién puede matar a un niño?, Narciso Ibáñez Serrador, 1976, 112´

Coloquio con los asistentes

El Instituto Rayuela centró las conversaciones en el terror español. Indudable género en auge, parece que el terror patrio no sólo ha revitalizado el género en la última década sino que ha sido capaz de conquistar al público. Prosiguiendo con el intento de tender o descubrir puentes entre generaciones y películas es necesario echar la vista atrás. El segundo largometraje de Narciso Ibánez Serrador es una cruenta venganza del niño hacia el adulto responsable de sus penurias.  El género de terror funciona a través de códigos y se transforma al violentar esos mismos códigos, ¿Quién puede matar a un niño? ofrece uno de sus ejemplos más puros de esa transgresión: las víctimas habituales del género -los niños- se convierten en los malvados (malvados a los que hay que eliminar, es decir, hay que matar niños) y la oscuridad no provoca ningún terror comparado con la luz y el sol pegando con toda su fuerza en una isla mediterránea.

DOMINGO 18 NOV 18:30 H

Rec1, Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007, 85´

Coloquio con los asistentes

REC1 hunde sus raíces en esta genealogía sangrienta y se vuelve a ambientar en un entorno ibérico con una clara intención realista. En el siglo XXI, le toca el turno a un bloque de pisos en Barcelona donde empiezan a suceder cosas extrañas. REC1 asimila las claves y españoliza un tema ajeno para hacerlo propio: el cine de zombies. La eficacia de la película radica en la familiaridad de esos pasillos, ese papel pintado, esas voces y esos rostros. Casi se puede oler la humedad, palpar el polvo acumulado. Todos conocemos estos edificios: vivimos en ellos o viven nuestros seres queridos. El terror se multiplica exponencialmente. Si se le añade una puesta en escena basada en la cámara en mano -la convención más arraigada actualmente en cuanto a representación de la realidad-  se puede entender que los adolescentes del Instituto Rayuela la nombraran entre sus películas favoritas.

DOMINGO 25 NOV 18:30 H

Color perro que huye, Andrés Duque, 2010, 70´

Coloquio con los asistentes con la presencia de Andrés Duque

El cine en primera persona, el cine como diario, como reflexión, como catarsis. Una manera de hacer cine económica, abierta a la experimentación no sólo con el medio sino con uno mismo, con tu misma identidad. Color perro que huye, largometraje de Andrés Duque, trata de un viaje físico y mental -como tienen que ser los buenos viajes-. Un retorno a los orígenes, al país y la familia que quedaron atrás, a las voces distantes que marcaron la niñez, a los rastros de pequeñas y no tan pequeñas escenas efímeras. En definitiva, a los retales que conforman la identidad y la humanidad. Realizada con la sinceridad y la valentía de quien escruta un horizonte exterior -ese entorno tan misterioso, tan hipnótico-. Y, sobre todo, un horizonte interior. El cobrar conciencia de las casi ilimitadas posibilidades creativas que ofrece la intimidad entre una cámara y quien la maneja, está detrás de la selección de Color perro que huye por el grupo de jóvenes que empiezan a hacer sus apuestas expresivas con el lenguaje audiovisual.

DOMINGO 2 DIC 18:30 H

Arrebato, Iván Zulueta, 1979, 105´

Coloquio con los asistentes

Andrés Duque realizó un documental, Ivan Z, sobre el director de la última película del ciclo, Arrebato. En esta obra de 1980, Ivan Zulueta también indaga en esa estrecha y, potencialmente, destructiva relación entre el cineasta y la cámara. La cámara como vampiro, y el soporte del celuloide como un universo más real que la vida en el exterior. Mundos paralelos, artificiales. Evasiones a través de sustancias tóxicas o dejándose “arrebatar” por la contemplación continuada de un juguete o álbum de cromos, trasunto de una infancia ya perdida pero no olvidada. Profundamente personal, Arrebato es otro retorno a los orígenes, una deriva llena de humor patetismo, dolor y estética proto-ochentera hacia los abismos de las debilidades humanas.

Al término de cada proyección habrá un coloquio con los asistentes

www.loshijos.org

Cuando sentimos mucho interés o entusiasmo por algo decimos que estamos locas por hacerlo. Este «volvernos locas» es también un lugar raro donde dejamos de ser las de siempre y hacer lo que nunca hacemos.

Para volvernos locas necesitamos muy poco: un cuerpo, unas ganas, imaginar cómo, qué, cuándo, un poco de escucharnos también. Salir a la calle juntas y correr, correr como locas. Volvernos locas en el insti, en la clase, en el museo. Locas de alegría, de gusto, de ganas de pasarlo bien. Volvernos locas para no acabar viviendo en la chifladura.

Taller de dos sesiones en el que, mediante la acción y la performance, pensaremos desde lo queer formas de ser/estar más allá de categorías binarias y de una definición estanca de identidad.

Horario: la primera sesión, de dos horas de duración, a concretar con el centro educativo. La segunda sesión de 11:00 a 13:30 en el CA2M.

Número de alumnos: máximo 30.

En este taller los grupos trabajarán la capacidad que tiene el arte de transformar el tiempo y el espacio. Durante las sesiones convertiremos el aula en una habitación y el museo en una casa. Los alumnos apagarán las luces, quitarán los pupitres y bailarán. En el museo visitarán los rincones más íntimos y construirán un refugio entre todos.

El año pasado, la artista escénica Aitana Cordero diseñó este taller en el que descubrimos lo difícil que es trabajar la intimidad en secundaria y, a su vez, lo importante que es hacerlo.

Horario: las dos primeras sesiones, de dos horas de duración, en el centro educativo. La tercera sesión en el CA2M en horario extenso, a convenir con el profesor.
 

Número de alumnos: máximo 30

Un encuentro en el que los diferentes agentes y educadores asistentes a las lindes podrán reflexionar y debatir sobre sus prácticas educativas, proyectos, inquietudes, problemas e ilusiones. Se dispondrán mesas de trabajo en las que se analizarán aspectos fundamentales de las prácticas para posteriormente hacer una puesta en común de todos los asistentes. Este encuentro supone un paso adelante en la construcción de una comunidad educativa y un momento para aportar más puntos de vista al trabajo desarrollado.

Arte. Educación. Pedagogía. Aprendizaje. Desaprendizaje. Ejercicio crítico. Imaginación política. Conocimientos mojados. Ficciones visionarias. Contra-pedagogías. Si hay un hecho el cuál no podemos negar, tampoco escapar, es que somos contemporáneos de nuestros procesos pedagógicos. Y la pedagogía, comprendida como modelo, a su vez, es un proyecto de privatización del pensamiento. Todavía hay palabras que son campos de combate, y estas más que vinculadas a la razón hablan desde los cuerpos. Inapropriadas, inoportunas, indebidas, inconvenientes, desplazadas y coléricas, habitan el incómodo y el mal-estar y son como flujos que escapan por toda parte.
 

En este taller Mônica Hoff nos invita a habitar, a través de juegos, acciones y lecturas experimentales, la incomodidad que tenemos con nuestros procesos pedagógicos y quizás desde este lugar aumentar nuestra potencia de acción política y poética individual y colectiva.
 

Las Lindes continúa reuniéndose periódicamente para investigar y experimentar en torno a la educación y el arte. Durante este próximo curso, aparte de los encuentros abiertos que iremos proponiendo, nos centraremos en la realización de un audiovisual que recoge parte de la práctica de estos últimos años y que pretende pensar juntas desde el hacer. Un audiovisual en forma de ensayo en donde la escucha, la experiencia del cuerpo, la apuesta por activar y compartir saberes de lo común y la observación son claves en el proceso creativo colectivo.

Tanto Lindes como esta pieza audiovisual nacen de una inquietud compartida por distintos agentes de la educación frente a la dificultad de generar un relato diferente al dominante sobre las prácticas educativas críticas, al tiempo que intuyen la necesidad de construir una comunidad educativa que reflexione sobre la esencia de la educación.

Las sesiones abiertas serán previamente anunciadas a la lista de distribución de correo de Las Lindes

Grupo de investigación y acción acerca de educación, arte y prácticas culturales. Formado por Marta de Gonzalo, Pablo Martínez, Virginia Villaplana, Diego del Pozo, Yera Moreno, Eva Garrido, Pili Álvarez, Maria José Ollero.

La noción que comúnmente se construye sobre el arte actual y sus creadores en muchas ocasiones aparece vinculada al discurso que se emite desde los medios de comunicación y en consecuencia se entiende como heredera de un ideal romántico y de un paradigma moderno que piensa el arte como forma autónoma. Pero la producción artística que se crea bajo los paradigmas estéticos y de pensamiento desde la posmodernidad renuncia a la autonomía del objeto artístico y comienza a mirar hacia fuera de lo que tradicionalmente se ha entendido como campo del arte: se relaciona con su entorno y negocia con otros agentes del presente para construir discurso.

En Mirar el presente. Siete clases para pensar con el arte actual contamos con la presencia de teóricos y artistas para analizar con ellos y con algunas de sus propuestas asuntos que afectan arterialmente a nuestro modo de situarnos en el contexto tardocapitalista en que vivimos: el pasado que compartimos, nuestro papel como espectadores-ciudadanos, el modo en que nos relacionamos con la autoridad o la influencia de las instituciones en las formas de vida serán sólo algunos de los puntos de partida de los debates. Pensar de este modo con objetos e imágenes del arte quizás sea la única forma de descubrir tanto su capacidad dialéctica como su capacidad de agencia. Y así ver, al final, la manera en que el arte habita entre nosotros como una forma de mirar críticamente el presente.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto no especializado. En estos cursos se abordan de forma clara y directa algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades suelen estar estructuradas en dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra. Las siete clases que componen el curso se complementarán con una visita a la exposición Antes que todo.

MIE 20 OCT
Presentación del curso e Introducción
Pablo Martínez. Responsable de Educación y Actividades Públicas
Ferran Barenblit. Director del CA2M

MIE 27 OCT
Yayo Aznar. Doctora en Historia del Arte, en la actualidad es Profesora Titular de Universidad en el Departamento de Historia del Arte de la UNED de Madrid.
Entre sus publicaciones destacan libros como El cauce de la memoria. Arte en el siglo XIX (Madrid, Istmo, 1998), Arte de acción (Madrid, Nerea, 2000), La memoria pública (Madrid, Universidad Nacional de Educación a Distancia, 2002), El Guernica (Madrid, Edilupa, 2004) o La memoria compartida. España y Argentina en la formación de un imaginario cultural (Buenos Aires, Paidós, 2005). Es además codirectora, junto a Javier Hernando Carrasco, de la colección Arte Hoy, publicada por la editorial Nerea.

MIE 3 NOV
Dora García (Valladolid, 1965) es una artista cuya obra se centra en desarticular las convenciones y los códigos de conducta especialmente entre la obra el artista y el espectador a través de la performance o de un tratamiento inesperado del espacio expositivo.

MIE 10 NOV
Pablo Marte (Cádiz, 1975) trabaja el video jugando con su ficcionalidad y enfrentándola a lo real. En su obra existe además una preocupación política en la relación del cuerpo y el espacio.

MIE 17 NOV
Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937), artista conceptual español que desde mediados de los años sesenta cuestiona mediante su trabajo el estatus de la obra de arte y su valor estetizante, así como los marcos institucionales donde esta tiene lugar. Su práctica abarca desde la poesía experimental, la música y el mail art hasta el cine, la performance o las intervenciones sonoras.

MIE 24 NOV
Fernando García (Madrid, 1975) trabaja intencionadamente con la mezcla de formatos para tratar diversas preocupaciones que tienen que ver con su experiencia personal y su condición de artista. Así, sus piezas hacen referencia de forma irónica a las contradicciones de la posición del creador contemporáneo y las estructuras del mundo del arte.

MIE 1 DIC
David Bestué y Marc Vives (Barcelona, 1980 y 1978 respectivamente), colaboran como artistas desde el año 2002. Su obra se compone de incisiones en lo cotidiano a través de elementos de ficción usando numerosos referentes tanto de la historia del arte como de la cultura filosófica o popular.

Programa Educativo 2010 - 2011

Este año se propuso iniciar una revisión de la mirada. A partir de diferentes charlas con teóricos, educadores y artistas, el curso pretendió reflexionar tanto sobre las propuestas del arte actual como sobre nuestra mirada hacia ellas. Frente a la pura contemplación extasiada, admirada y desinteresada que nos exigía aparentemente el arte moderno, el arte actual parece enfrentarse a la mirada distraída de la que hablaba Walter Benjamin: la mirada dispersa del burgués por la ciudad, el paseante que ve todo y no ve nada, quizás incluso el paradigma de la mirada contemporánea como si por consenso hubiéramos perdido todos la capacidad de mirar al mismo tiempo. Se trata, entonces, de pensar en las posibilidades que el arte actual puede ofrecer para la reinvención de una mirada que, desde su dispersión, sigue afectada e interesada políticamente.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares especialmente dirigidas a público joven y adulto. En estos cursos se abordaron algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual, para pensar con él. Estas actividades constaron de dos partes: una primera consistente en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda que le sigue en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

PROGRAMA

MIÉRCOLES 20 FEB. 18:30 H.
MIRADAS INOFENSIVAS
Yayo Aznar. Profesora Titular de Universidad en la UNED

Para comenzar el curso se llevó a cabo una breve reflexión sobre las diferentes miradas que se le han ofrecido al espectador contemporáneo. Desde la tan traída y tan llevada «contemplación desinteresada» kantiana hasta la «mirada distraída» del ciudadano, lo cierto es que siempre ha estado sobre la mesa de discusión una cierta despolitización de nuestra percepción.

Los elementos intelectuales, valorativos y afectivos de los objetos –ya sean obras de arte, artefactos médicos, fetiches o souvenires- se manifiestan en relación al marco de acción para el que fueron creados. No obstante, la pregunta clave que ocupará a los conferenciantes en este curso gira en torno a los pactos sociales y las negociaciones afectivas que surgen cuando los objetos viajan a otros sitios y transitan libremente entre los regímenes de invisibilidad y la materialización o entre diferentes prácticas culturales, lugares geográficos o disciplinas de pensamiento. ¿Dependen los objetos de necesidades locales o son versátiles y capaces de adaptarse? ¿Existe alguna continuidad entre el objeto original y el objeto a su llegada al nuevo contexto? O ¿se producen rupturas y fricciones? ¿Es el vínculo entre objeto y respuesta emocional una relación estática e inamovible

La vida afectiva de los objetos pretende dar continuidad a la línea de trabajo que el CA2M viene explorando sobre el rol sociopolítico de los objetos y las imágenes. Esta nueva edición reúne a especialistas de diversas disciplinas para dialogar sobre la circulación de los objetos materiales y su vida afectiva. Los invitados provienen de la historia del arte, la sociología, la historia de la ciencia, del comisariado, la pedagogía, la fotografía y la instalación. Desde la práctica y la teoría, desde el interior del arte y más allá de sus confines, el curso invita a explorar las dinámicas sociales y afectivas de la cultura material que ocupan un lugar central en las experiencias subjetivas.

El CA2M desarrolla una línea de actividades de formación en arte y pensamiento contemporáneos enmarcadas dentro de la tradición de las universidades populares. En estos cursos se abordan algunos de los planteamientos fundamentales para entender e interpretar el arte actual. Estas actividades están estructuradas en dos partes: una primera que consiste en la exposición de un tema por un ponente invitado y una segunda en la que se abre el debate para que los asistentes tomen la palabra.

Dirigido por Nike Fakiner

PROGRAMA

MIÉRCOLES 21 OCT. 18:30 H.
LA VIDA AFECTIVA DE LOS OBJETOS EN TRÁNSITO

Nike Fakiner

Gustav Zeiller (1860-1904), artesano y entrepreneur alemán, se ganaba la vida con la fabricación de objetos anatómicos en cera, así como con su venta y exhibición pública. En el marco de su pequeña colección personal, expertos en medicina y audiencia inexperta podían deleitarse con curiosidades científicas; conocer las entrañas del cuerpo humano, familiarizarse con los últimos consejos de salud o, sencillamente, entretenerse con los espectáculos del cuerpo que la vida moderna ofrecía a la burguesía emergente en ferias y parques de atracción. Los artefactos en cera de Zeiller y la vida afectiva de los mismos son los protagonistas de mi investigación. Desde la perspectiva del mundo material, esta conferencia tratará de reconstruir algunas de las creencias, preocupaciones y expectativas de sus audiencias del pasado.

El estudio de este caso servirá como punto de partida para exponer y esbozar el debate teórico que reúne a los expertos invitados a este curso: las posibilidades y limitaciones de entender el objeto como un «aparato cultural móvil» para el análisis de la cultura en general y para la historia de la experiencia en particular.

Nike Fakiner es comisaria independiente y especialista en historia cultural, cultura visual y cultura material. Doctora en Historia del Arte y de la Ciencia por la Universidad de Madrid y becaria predoctoral JAEPre (2009-2013) del Instituto de Filosofía en el Centro de Ciencias Humanas y Sociales (CCHS-CSIC, Madrid). Ha realizado diversas estancias de investigación y ha sido comisaria asistente para la exposición SKIN, supervisada por el profesor Javier Moscoso para la Wellcome Collection en 2010 (Londres). Actualmente trabaja como comisaria independiente e imparte clases en el Instituto de Empresa (IE) en Madrid desde enero de 2015

MIÉRCOLES 28 OCT. 18:30 H.

LO INVISIBLE

Rosell Meseguer

Después de la Segunda Guerra Mundial, durante el gobierno de Roosevelt en EE.UU., el director del Departamento de Investigación y Ciencia, Vannevar Bush, lanzará el estudio: Science, the Endless Frontier. En el texto el Sr. Bush habla sobre cómo las estrategias defensivas son puestas en práctica en la vida diaria. Vannevar justifica la necesidad de la investigación en tecnología y uso militar para el bienestar social. Este concepto sigue vigente.

Lo invisible plantea una intervención en formato de conferencia y debate sobre la idea y su desarrollo material: el objeto físico. Mostrando documentos, fotografías peculiares y otros archivos vinculados a los proyectos artísticos que vengo desarrollando, se generarán diálogos a diferentes niveles. Uno de ellos recopila información vinculada a Europa versus América tras la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría. Otro, articula un diálogo entre pasado y presente donde es esencial entender las relaciones entre los conceptos y sus formas: un búnker de Río de Janeiro -periodo Guerra Fría- que parece un OVNI o la construcción de una cúpula en Berlín que recuerda a los zeppelin de entreguerras. En la construcción de estas formas los diálogos entre tecnología analógica y digital son dos fuertes constantes que alarman sobre una realidad «invisible» que se extiende globalmente: el miedo.

Los diálogos trabajarán en proceso con las ideas expuestas en diversos materiales, como si estas fueran un «pre-archivo», revalorizando las mismas desde lo universal hasta su contextualización local, desde la existencia o la irrealidad; la comprensión del tiempo y el espacio de los objetos.

Rosell Meseguer es artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, donde actualmente es docente. Su obra desarrollada en diversos medios -fotografía, instalación, archivo, publicaciones, dibujos, pintura y vídeo- está vinculada a la investigación de los procesos históricos y sus consecuencias sociopolíticas y económicas. Ha formado parte del grupo de investigación Decolonizing knowledge and aesthetics entre Goldsmiths.
University de Londres y Matadero Madrid

MIÉRCOLES 4 NOV. 18:30 H.

RECUERDOS: LOS OBJETOS DE LA MEMORIA

Clara Zarza

Los recuerdos personales se perciben a menudo conectados a objetos hasta tal punto que se construyen a su alrededor. En las últimas décadas diversos artistas han hecho uso de objetos o colecciones de objetos y éstos han sido percibidos por la audiencia como supuestos recuerdos guardados y atesorados o encontrados, construidos o modificados y expuestos como símbolos de las vivencias del artista. En esta conferencia hablaré de este tipo de prácticas artísticas en relación a dos categorías: los souvenirs y los memorabilia. En relación a estas categorías analizaré las esculturas de Mona Hatoum (Door Mat y Doormat II) y la serie fotográfica de Miyako Ishiuchi Mother’s.

El estudio de estas obras servirá como punto de partida para un doble análisis del uso de «objetos-recuerdo» en el arte contemporáneo. Por un lado, deseo explorar los mecanismos que vinculan estas obras con la noción de intimidad con el fin de problematizar los límites entre las nociones de público y privado, por otro es mi intención revisar las premisas teóricas que a menudo conducen a interpretar este tipo de obras como autobiográficas.

Clara Zarza es especialista en el estudio de la instalación contemporánea y teoría visual. Asimismo ha desarrollado un trabajo interdisciplinar que incluye estudios literarios, antropológicos y filosóficos en torno a la intimidad, la identidad y el sujeto autobiográfico. Doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Imparte clases en IE University desde enero de 2014 y es miembro del equipo editorial de Efímera Revista desde marzo de 2013.

MIÉRCOLES 11 NOV. 18:30 H.

OBJETOS DEL AMOR

Beatriz Cavia Pardo y Alexi Hofer

La vida de los objetos es, aparentemente, indisociable de las experiencias, narrativas y representaciones sociales: no hay objetos sin sujetos que los doten de significados y sentido. En los últimos tiempos, diversas teorías sociales han establecido metáforas para hablar de cómo la relación entre los objetos y los sujetos, tan clara en el periodo moderno, se transforma en lo contemporáneo. Así, teóricos como Bruno Latour o Isabelle Stengers o Eduardo Viveiros de Castro, se han tornado centrales en el ámbito del arte, dando especial relevancia a la redefinición de esta relación.

Cualquier objeto sería susceptible de convertirse en un objeto de amor, pero sólo algunos son significativos en las historias afectivas. Digamos que estos son objetos de amor banal, cotidianos, que todos tenemos a nuestro alrededor, o que han acabado en una caja, perdidos en una mudanza o desaparecidos en un ritual que anule el dolor o rabia que nos produce su presencia. Pero los objetos también son construidos como metáforas de amor. En el arte, los objetos toman forma en obras desde esta necesidad de cargarse de significado. En tercer lugar, hay una serie de objetos que despliegan una representación del amor como símbolos, si no universales, sí hegemónicos en  las distintas culturas, relacionados con la construcción moderna del amor romántico e inmersos en la economía de mercado capitalista. En los tres casos nombrados, los objetos de amor banal, los objetos de amor metáfora y los objetos de amor romántico, la acción humana es fundamental. Lo que planteamos en el taller es desplegar y hacer hablar a los objetos para analizar cómo ellos producen también esta acción, su capacidad de agencia para el amor.

Beatriz Cavia Pardo es socióloga y miembro de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa Z/B (www.bulegoa.org) junto a Isabel de Naverán, Miren Jaio y Leire Vergara. En Bulegoa se cruzan las prácticas del comisariado, la crítica de arte, la coreografía experimental y la teoría social, cruce desde el cual se realizan distintas producciones en el ámbito de las artes visuales. En sociología ha desarrollado su trabajo de investigación en el campo de las identidades colectivas,
la sociología de la sexualidad y del género y la teoría sociológica. Ha sido investigadora del Centro de Estudios sobre la Identidad Colectiva de la Universidad del País Vasco y profesora de sociología en el departamento de Sociología 2 de la misma universidad.

Alexi Hofer es especialista en pedagogía y arte. Trabaja en la acción cultural y la educación artística y creativa desde que se licenció en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2005. Ha colaborado en el diseño y desarrollo de diversos programas de educación de arte para un público diverso en diferentes museos y centros de arte. Desde hace años dedica gran parte de su tiempo a debatir con sus amigas cuestiones amorosas. De ahí surgió en colaboración con Beatriz Cavia el seminario Performando el amor /Imaginarios del amor.

MIÉRCOLES 18 NOV. 18:30 H.

LA RUINA ROMÁNTICA

Javier Moscoso

Cuando hoy presenciamos atónitos la destrucción de las ruinas de Palmira, declarado patrimonio de la Humanidad, parece adecuado preguntarse de dónde proviene esa valorización de los restos de la historia. Esta presentación busca dar respuesta a esta pregunta a través del estudio de los aspectos emocionales de la Restauración y del Romanticismo, en donde las ruinas fueron encumbradas no solo como parte de la nueva idea de nación, sino como elemento estético y ético ligado a una terapia civilizatoria y a un nuevo modelo de educación social.

Javier Moscoso es profesor de investigación de Historia y Filosofía de la Ciencia en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas. A lo largo de su carrera, ha trabajado principalmente en tres áreas: la historia de las ciencias de la vida en el siglo XVIII, la historia de los signos y las singularidades en la Europa Moderna y la historia del dolor en Occidente entre los siglos XV y XX. Su último libro, Historia cultural del dolor, se publicó en octubre de 2011 en Taurus. En la actualidad prepara un nuevo libro, tanto en español como en inglés, sobre las pasiones de la Modernidad. Asimismo ha comisariado diversas exposiciones, como Monstruos y Seres Imaginarios (Biblioteca Nacional), Skin (Wellcome Collection), o Pain: Passion, Compassion, Sensibility (Science Museum / Wellcome Collection).

MIÉRCOLES 25 NOV. 18:30 H.

LA PRESENCIA Y LA AUSENCIA. UNA HISTORIA SOBRE OBJETOS Y FANTASMAS

Xavier Arenós

Partiendo de la premisa de que aquello que fue reprimido o quedó inconcluso retorna una y otra vez con nuevas fuerzas, esta clase indagará en pasajes acontecidos durante la Guerra Civil que no fueron clausurados o que lo hicieron en falso y que perviven entre nosotros como fantasmas. Para ello, se revisarán algunos de mis proyectos en los que intento reconstruir estos sucesos traumáticos. Sucesos que, según Derrida, nos llegan de otros tiempos a dislocar el nuestro, a perturbarlo. Explorar estos espectros, que son fruto de la injusticia, el abuso, la frustración, o el fracaso, será uno de los objetivos, pero también analizar la problemática de su representación, ¿cómo formalizar sus significantes?, ¿cómo tranformarlos en cuerpos?, ¿cómo cosificar sus ecos?

Xavier Arenós es artista, co-editor de la revista de proyectos artísticos Roulotte y profesor de grado universitario en la Escuela de Arte y Diseño Massana de Barcelona. Su trabajo analiza por un lado la vinculación entre el espacio, la ideología y el poder, y por otro, explora la idea de utopía como alternativa al relato hegemónico establecido. Para ello realiza, a partir de procesos documentales y de archivo, construcciones arquitectónicas, vídeos y fotografías que tienen como referentes a la arquitectura moderna, el constructivismo ruso o la práctica del bricolaje. Entre sus exposiciones más recientes: Indisposición general. Ensayo sobre la fatiga. Fabra y Coats, Centro de arte contemporáneo, Barcelona (2015); Estratos, Galería Rosa Santos. Valencia (2015).

Para la asistencia a alguna conferencia suelta el acceso es libre hasta completar afor

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